Correcto y eficiente

Opgave es un proyecto de un productor que se hace llamar The Saboteur, oriundo de Los Angeles. Este señor ha digerido eficientemente el legado de ese híbrido musical noventero que muchos convienen en llamar trip-hop. Su trabajo presenta reminiscencias de gente como The Album Leaf, Beck, Cinematic Orchestra, Diplo, Dj Krush o Dj Shadow, ya sea en los beats, o en las construcciones melódicas a través del buen uso del sampler. Técnicamente correcto, y además, entretenido. Su mini álbum Writing The Silver (2006) así lo demuestra.

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Orgánico y maquinal...

Hablando de músicos importantes cuya obra excepcionalmente genial nos deleitará a través del tiempo y más allá de cuestiones comerciales, habría que mencionar más temprano que tarde al señor Markus Acher, el inquieto multinstrumentista, cantante y compositor alemán cofundador de The Notwist (ampliamente recomendado en este site), así como de Tied & Tickled Trio, y del proyecto que constituye el foco de este post: Village Of Savoonga. Este efímero y glorioso proyecto fundado en 1992, tendió un puente entre el kraut-rock de los setenta y el post-rock de los noventa, desarrollando un trabajo todavía tentativo entre cacofonía y penumbra.

Su álbum Philipp Schatz (1996) muestra la elegancia, la austeridad y la profundidad de la música clásica. Piezas como Nunca Serenada, Partida, Notion, In Search Of The White Room y Music For Hydrophonic Instruments, aplican las técnicas y estilos que fueron inventados 30 años antes, pero con la sabiduría de 30 años más tarde. En el miniálbum Score (1998), se decantan por una progresión de la música industrial y del minimalismo hacia la abstracción, donde confluyen el expresionismo y el doom psicodélico: guitarras disonantes, metales, samples y zumbidos que ondulan con una especie de melodía sobrenatural. Los trabajos de Village Of Savoonga yacen casi ignotos bajo la sombra de The Notwist, pero resuenan a través de su naturaleza orgánica y maquinal, para ser oídos por quienes aman la música de avanzada.

*Para descargar ambos trabajos haz clic en el vynil.

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Discogs/Philipp Schatz
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Del tiempo y sus fauces

La película Sturm del guionista y director alemán Hans-Christian Schmid, es un trhiller político que se desarrolla a partir de que esqueletos humanos procedentes de crímenes de guerra sean hallados dentro del armario de un político popular croata. La película analiza profundamente los complejos procesos legales, éticos y morales involucrados en la gestión del TPIY (Tribunal Internacional para el enjuiciamiento de los presuntos responsables de las Violaciones graves del derecho humanitario internacional cometidas en el territorio de la ex Yugoslavia desde 1991), y expone la inquietante realidad en torno a la impunidad sobre genocidios como los de Sarajevo, amparados en el poder político y económico de los grandes líderes que mueven a su antojo los hilos de la justicia.

Para realizar la banda sonora de semejante drama, Schmid solicitó los buenos oficios de The Notwist, completos veteranos en el arte de conmover con los sonidos precisos. El grupo nos introduce eficazmente en el escabroso escenario de la incertidumbre que reina en la existencia humana y en las contradicciones de su devenir. Las lúgubres atmósferas que engullen pequeñas notas luminosas, parecieran evocar la facultad que tiene la memoria para diluirse en la sombra del tiempo, y en el silencio de quienes se niegan a mantener presente el nombre de los que desde hace mucho están irremediablemente ausentes. Sturm (2009), palabra alemana para Storm o "Tormenta", es el segundo soundtrack compuesto por The Notwist; denso y hermoso, digno de una de las mejores bandas de las últimas dos décadas.

Notwist.com
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Audacia nipona

Entre los japoneses más interesantes que hemos recomendado en el TripOptico, sin duda se encuentra el multinstrumentista Keigo Oyamada, a.k.a. Cornelius, por su particular y poco condescendiente visión de la música. Aunque a menudo sea comparado con Beck por sus experimentaciones dentro del rock alternativo, Cornelius se muestra aún más audaz, más extravagante y más a la deriva en términos estilísticos, siendo este quizá su principal atractivo.

El disco Fantasma (1997), el tercero de su carrera, nos pasea oscilante, cual montaña rusa, por desquiciantes momentos de experimentación sonora, samples yuxtapuestos y ruidos misceláneos; como también por momentos de verdadero esplendor instrumental con amables melodías entretejidas con holgura. Este album cuenta con un extended play titulado FM -Fantasma reMixes- (1998), con vueltas de tuerca hechas por Damon Albarn, Unkle y Coldcut, entre otros. Un par de discos indispensable.

Ilustro con el maravilloso video Fit Song del álbum Sensuous.

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Metáfora boreal

Desde el Norte de Edimburgo, Reino Unido, el diseñador gráfico Graham Richardson se viene con su proyecto musical titulado Last Days, fuertemente influido por la frialdad y oscuridad del clima de esas latitudes, amén de sus profundas ideas y sentimientos traducidos en atmósferas minimalistas, donde el piano, sonidos de campo y ruidos digitales confabulan para sumirnos en una especie de letargo consciente, un estado de instrospección de cara a la soledad como condición inmanente e ineludible de la naturaleza humana. En su disco These Places Are Now Ruins (2007), Richardson nos devela paisajes desolados, únicamente habitados por quien lo contempla lleno de sensaciones encontradas, de decepciones, animado por la esperanza vaga que se gesta en la distancia, pero extraviado en la futilidad de intentar reclamar memorias perdidas.

En The Safety Of The North (2009), estos sentimientos son nuevamente evocados a través de hipnóticas atmósferas shoegaze de frío cromatismo, de díadas de guitarra que marcan el ritmo entre líneas de sinthes lo-fi, y de la incorporación de una emotiva voz femenina que parece arruyarnos con su frágil canto en May Your Days Be Gold. La voz de una niña también aparece en algunos tracks, como venida de algún lugar austral, trayendo recuerdos difusos, dibujando imágenes con sus palabras, completando el paisaje con habitantes inmateriales. En este tibio nicho de texturas y emociones que Richardson crea para nuestro cobijo, el Norte deviene en símbolo, metáfora de ese no-lugar elevado y solitario al que es preciso subir para el reencuentro del sí mismo.

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Delicada promesa

Como una bruja fugitiva de la inquisición medieval, aterriza en nuestros días la austriaca Anja Plaschg, a.k.a. Soap&Skin, para hechizarnos con su nostálgico piano melódico y las herramientas de este siglo tecnológico. Aparentemente imbuída en la estética steampunk, Soap&Skin nos regala pequeñas grandes canciones que no superan los cuatro minutos -a excepción de Brother Of Sleep-, pero que en su brevedad concentran todo un horizonte de profundas emociones, como una gota contiene en su esférica languidez la infinitud del océano. La delicadeza, madurez y densidad de sus composiciones, resultan sorprendentes y nos hacen olvidar por completo que esta chica tiene tan sólo dieciocho años de edad. Realmente vale la pena hacerle seguimiento a su muy prometedora carrera que ya nos ha dejado un primer y suculento fruto: Lovetune for Vacuum (2009).

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Para la posteridad

Una vez, el director de la revista francesa contracultural Actuel escribió una frase que me encanta: "En Inglaterra tienen a Peter Gabriel, en Estados Unidos a David Byrne y en Francia tenemos a Hector Zazou". Esto deja más o menos claro el estatus artístico del músico avant-garde y escultor sonoro franco-argelino Hector Zazou, aunque no menciona que sea menos conocido que aquéllos. Su carácter notablemente discreto, hacía que fuese rara su aparición en fotos, pero por otro lado, garantizaba el desarrollo de una obra musical robusta y trascendental. Zazou aseguraba estar siempre aprendiendo. Decía que avanzaba a tientas en la oscuridad y que solía golpearse la cabeza contra la pared... "Una lucha cotidiana por la libertad". ¡Y vaya si la logró!.

Zazou fue un enlazador de mundos, siempre interesado en unir oriente y occidente a través de la música, influida esta por Captain Beefheart, Brian Eno, la música tradicional de diversos lugares del mundo, y la pintura abstracta, especialmente la de Rothko y Pollock. A poco más de un año de su desaparición física, le rendimos un pequeño tributo en el Bloggazine, recomendando parte de su amplísima e interesante discografía, para la cual Zazou solicitó siempre la colaboración de artistas de diversas escenas y nacionalidades, mostrando cierta predilección por las voces femeninas.

En su álbum Chansons de Mers Froides (1994), Zazou se inspiró en los paisajes árticos, y junto al camarógrafo Philippe Roméo, grabó canciones tradicionales de Alaska, Canadá, Groenlandia, Islandia, Japón y Escandinavia, así como cánticos chamánicos y canciones de cuna de tribus aborígenes de esas regiones. Una fusión entre folklore foráneo y electrónica experimental fue el escenario para la colaboración de Värtinä (grupo finlandés), Suzanne Vega, Björk, John Cale, Siouxsie y Tokiko Kato, entre otros.

Para Las Vegas Is Cursed (2000), Zazou se hace acompañar por la excéntrica cantautora Sandy Dillon (recomendada hace muy poco), para crear composiciones oscuras y extravagantes, experimentos sonoros donde la electrónica y la instrumentación acústica generan ambientes sórdidos, llenos de contrastes y aires industriales, con claras referencias al cine negro.

En cambio, en Strong Currents (2003), Zazou se inclina hacia composiciones más apacibles y crea un diario íntimo con canciones acústicas que cuentan con la voz de interesantísimas invitadas como Laurie Anderson, Jane Birkin, Nicola Hitchcock (de Mandalay), Lori Carson, entre otras, además de la colaboración de músicos como Bill Rieflin (baterista de R.E.M.), el multinstrumentista Dennis Rea y el japonés Ryuichi Sakamoto. En L'Absense (2003), Zazou repite con el mismo equipo de invitados e incorpora más loops, programaciones y distorsiones, pero manteniendo un ánimo melancólico e introspectivo.

La lista de recomendaciones podría extenderse, pero por ahora nos detendremos aquí para brevemente rendir honores a quien ha legado a la posteridad una excepcional obra iconoclasta y vanguardista, ventana abierta hacia la belleza del mundo.

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Desde la cima del Monte Fuji

Succubus proviene del latín Succuba que literalmente significa "prostituta", pero en el medioevo occidental, se le llamó Succubus a un demonio que toma la forma de una hermosa mujer para seducir a los hombres, especialmente a los de buen corazón y a los monjes, en cuyos sueños y fantasías se introduce para sostener relaciones sexuales y absorber su energía vital, hasta el punto de enfermarlo o inclusive matarlo. Ésta figura legendaria y macabra ha servido de leitmotiv para el álbum Succubus (2009), de The Mount Fuji Doomjazz Corporation, el alter ego de The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, con el cual se sumerge en sonidos (aún) más densos, en atmósferas todavía más fúnebres, hipnóticas y evocadoras, improvisando durante la noche y desde la cima nublada del Monte Fuji, para esculpir y revelarnos apenas el grave rostro doom del jazz en clave drone. Insólito pero cierto. Otra joya.

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Más sombras y dragones

Después del álbum debut autotitulado y del EP Mutations que nuestro amigo Zoomo nos ha recomendado muy oportunamente, reaparece directo desde los Países Bajos The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, con un nuevo álbum titulado Here Be Dragons (2009). Más improvisaciones lúgubres, más atmósferas inquietantes, más de la calidad que los caracteriza. Apaga la luz, relájate y dale play a este viaje, infinitamente recomendado.

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Desde los campos elyseos

Elysian Fields vuelve después de tres años en silencio, y lo hace con un nuevo trabajo titulado The Afterlife (2009), a través del cual, Jennifer Charles y Oren Bloedow siguen explorando los resquicios del alma, iluminando el camino con sus composiciones cada vez más sensuales, donde destaca la dulce y lánguida voz de Jennifer, empeñada en seguir susurrándonos al oído, envuelta entre las sugestivas melodías con las que generan una cálida atmósfera de intimidad. The Afterlife es un disco perfecto para un domingo lluvioso, una sexy noche con tu amante, o simplemente, para cuando quieras escuchar un disco hermoso, al fin y al cabo, para la belleza no hay horarios ni condiciones. Y no nos importa si Jennifer no vuelve a cantar en Lovage, pues, con Elysian Fields nos basta y sobra. En este enlace podrás encontrar otros trabajos anteriormente recomendados por el viajero Zoomo.

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We ♥ Anja

Anja Garbarek es posiblemente la cantautora y compositora más importante de Noruega en el ámbito alternativo contemporáneo. A los álbumes ya recomendados por nuestro amigo Zoomo, agrego el debut Velkommen Inn (1992), cuyo sonido revela a una Garbarek un tanto tímida todavía, pero con la semilla de la experimentación en latencia. No así en el sucesor, Balloon Mood (1996), donde la rubia se toma más libertades y define su estilo por la onda del downtempo experimental, combinando efectivamente las máquinas con elementos del jazz y orquestaciones. En el 2005, el cineasta Luc Besson le confía a Garbarek la composición de la banda sonora para la película Angela-A, la cual aún no he tenido la fortuna de ver, pero que, a juzgar por las imágenes del tráiler y el característico humor de Besson, asumo que debe ser muy interesante. ¿El soundtrack? Impecable.

AnjaGarbarek.com
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Sofisticada extravagancia

Imagina a una adolescente de familia religiosa afincada en un pequeño pueblo estadounidense, entre Boston y Cape Cod, que se gradúa en "Composición Tradicional para Música Orquestal" en el prestigioso Berklee College of Music de Boston, para luego mudarse al infame y ultrabohemio Chelsea Hotel de Nueva York, donde vive entre tocar el piano para Tennessee Williams y grabar música de fondo para películas gay porno.

Imagina que esa chica después tiene la oportunidad de interpretar el papel de Janis Joplin en el musical de Broadway llamado Rock 'n Roll: The First 5000 years, donde es descubierta por Tony DeFries, el manager de David Bowie e Iggy Pop, quien la apoya para grabar material propio con el sello Elektra. Imagina que después de meses de trabajo, la joven llega a tener dos álbumes terminados, pero la discográfica se resiste a lanzarlos porque no suenan ni remotamente parecidos a Madonna o Cindy Lauper, las obsesiones del momento. Decepcionada por la incomprensión norteamericana, pero incólume en su voluntad musical, se muda a Londres donde finalmente es considerado su inusual talento. Esa chica es Sandy Dillon, una de las figuras más interesantes de los últimos años, creadora de un sonido que ella describe como "jazz-punk western blues", producto de una visión vanguardista ante la cual permanece fiel.

En su álbum debut Electric Chair (1999), Sandy Dillon toca la armónica, el órgano y el piano, al tiempo que demuestra ser dueña de una áspera voz capaz de transmitir una intensa nostalgia en cada una de sus inflexiones; de desplegar una extensa gama de sensaciones dérmicas con cada sílaba final apenas audible, pero que intuimos por su aliento. Su interpretación agridulce que por momentos recuerda la de Tom Waits, bulle sobre ritmos de percusiones a veces extraviados en los laberintos de la psicodelia, pero siempre ajustados a las atmósferas blues de sus composiciones, si bien extravagantes, naturalmente sofisticadas.

Puede que sea una artista algo marginada por el mercado y desconocida por las masas, pero que siga siendo así no nos molesta en absoluto, de hecho, se lo agradecemos con la mano en el pecho. Luego de Electric Chair, editó East Overshoe (2000), seguido de Nobody's Sweetheart (2004), Pull The Strings (2006) y Living In Dreams (2008). Complemento estas líneas con el video de Over My Head, del álbum Pull The Strings. Pura energía.

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Entrelazados por un pulso

El planteamiento conceptual de este disco parte de la idea del corazón como el centro del Ser. A través de continentes y de culturas, de abundantes lenguas y dialectos, toda la vida pulsa con la intensidad rítmica del latido del corazón. Pero algo completamente especial, completamente único y memorable pasa cuando Bill Laswell (bajo, flauta y teclados) pide al saxofonista Pharoah Sanders, al cornetista Graham Haynes y al maestro percusionista Trilok Gurtu; respirar la melodía, la armonía y el ritmo en el que estamos inmersos pero que damos por sentado. En el virtuosismo de estos músicos, el latido de un corazón real procrea la música y la música procrea la vida, en un flujo ondulatorio de energía en la que la magia comienza a desplegarse. With a Heartbeat (2003) es otra gran obra de nuestro admirado Laswell que demuestra, a través del lenguaje universal de la música, el principio igualmente universal y trascendental del entrelazamiento de todos nosotros por medio de un pulso vital. Sincronizarnos con él es la premisa. Ellos lo hicieron... ¿Podremos nosotros?

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Alquimia perfecta

Luego del gracioso post que Zoomo hiciera a principios del año pasado a propósito de presentarnos el álbum debut de Worm Is Green, una excelente agrupación de electrónica con el sello de calidad de Islandia -como tantos otros de esas latitudes-, traigo de vuelta su música, esta vez la que está recién sacada del horno para su álbum Glow (2009). Música de alta factura, alquimia perfecta entre electropop, IDM, downtempo y más. De lujo.

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Trascendiendo barreras

A Lawrence Muggerud, nativo de Queens, Nueva York, con ascendencia italiana y noruega, lo conocemos mejor como Dj Muggs, y por ser el productor y dj de la célebre banda californiana de hip hop Cypress Hill. Cuando en 1999 trabajó con Tricky y Grease en el álbum Juxtapose, Muggs nos mostró su faceta más experimental al producir ritmos que trascendían la síncopa característica del hip hop pero sin divorciarse por completo de éste. De allí que Dust (2003), su primer trabajo en solitario haya sido en cierto modo una afortunada continuación de ese interés avant-garde más comúnmente arraigado en la escena europea y que le fuese contagiado en su experiencia con Tricky. Pero en Dust trasciende no sólo el flow del hip hop sino también sus alcances estéticos al ampliarse hacia la electrónica y el rock alternativo dentro de inspiradoras composiciones downtempo, matizadas por sugestivas vocalizaciones de invitados como Amy Trujillo, Josh Todd (del grupo hard rock Buckcherry), Greg Dulli (de The Twilight Singers) y del nunca bien ponderado Everlast.

Este año nos regala un apéndice tardío de Dust con el subtítulo "Unreleased Ep". Más ácido... igual de imperdible.

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