Como indígenas alucinados llega este par de músicos con un respetable curriculum cada uno, o al menos, la suficiente referencia que los licencia para esta extravagante aventura musical. Se trata de Avey Tare (Dave Portner) de Animal Collective y Kría Brekkan (Kristín Anna Valtýsdóttir) ex-miembro de Múm.
El álbum Pullhair Rubeye (2007) se editó luego de la unión matrimonial de ambos, con la curiosa característica de haber sido grabado con las canciones en reversa, causando cierto rechazo entre los respectivos seguidores que, ávidos de escuchar el producto de esta atractiva dupla, se encontraron con algo muy difícil (por no decir imposible) de digerir, comparable quizá con las peores pesadillas que puedan tenerse en medio de un viaje psicotrópico. Pero, al poco tiempo el disco fue reeditado con las canciones en el sentido original (por no decir normal), dejándose escuchar un folk exhaustivamente experimental, donde el piano y la guitarra acompañan armónicamente las voces desenfadadas y cuasipueriles de Avey y Kría, quienes logran exhalar cierto aire de nostalgia bucólica en cada pieza. Buen disco para esos arrebatos en los que se necesita escuchar música que se salga del molde.
Animal Collective es un ecosistema formado por Avey Tare, Deakin, Panda Bear y Geologist, en el que cada cual aporta sus funciones biológicas según las condiciones variables del hábitat musical que han decidido ocupar. Siendo entonces un colectivo en lugar de una agrupación como tal, cada grabación puede tener combinaciones diferentes de sus miembros, aunque los principales en integrar este extraño ecosistema hayan sido Avey Tare y Deakin, a quienes luego se sumó el resto.
Hablar del hábitat de este colectivo puede ser una de las cosas más complicadas que haya en el ámbito musical, tanto por lo inusual de sus características como por lo voluble de sus fronteras. Así, en un álbum, el colectivo puede explorar el folk combinado con música concreta, y al siguiente, el noise con el rock, siendo prácticamente infinitas las posibilidades de exploración propuestas para cada grabación. Por tanto, desde su nacimiento hace ya nueve años y tras ocho álbumes publicados en ese período, podríamos afirmar que Animal Collective ha desafiado y seguirá desafiando taxonomías en pro del desarrollo musical más allá de cifras, fórmulas y callejones sin salida. Dejamos aquí su álbum Feels (2005) como muestra de lo antes dicho.
KarinDreijer Andersson, el 50% de The Knife, se nos viene con este proyecto paralelo en solitario, el cual podría verse como una suerte de continuidad de su trabajo a dúo luego de 3 años de silencio, pero que guarda, no obstante, un sello absolutamente personal e individual que la distancia del trabajo desarrollado con su hermano. La búsqueda de nuevas sonoridades dentro de los esquemas del pop electrónico se mantiene, pero ya sin pasajes hacia la pista de baile sino a territorios más intimistas, aunque poblados igualmente de ambientes oscuros e inquietantes. En Fever Ray ('09), Karin se quita la máscara pero sigue "ocultándose" tras un extraño maquillaje que le confiere una imagen performática como complemento estético de su propuesta musical.
A partir de atmósferas y tempos concretos, Karin diseña los beats e integra los diversos instrumentos y melodías que luego le sugieren la letra de la canción, el tipo de vocalización que empleará y los filtros para su voz en pos de una idea, sensación o paisaje previamente concebido, notándose un interés especial por las inflexiones que remiten a los cantos primitivos y folklóricos de Europa.
Debo admitir que la primera vez que escuché el single When I Grow Up y ví su videoclip, experimenté una extraña sensación, no precísamente de agrado, pero inexplicablemente me atrajo, y al escuchar el disco entero, la aprecié y comprendí en su contexto. Ahora me parece que este álbum debut es uno de los mejores lanzamientos del 2009. Ilustro este post con un par de singles extraidos de este trabajo, If I Had a Heart, video dirigido por el artista Andreas Nilsson [que también ha trabajado para The Knife y Goldfrapp, entre otros] y When I Grow Up, dirigido por Martin de Thurah [quien ha trabajado para Futureheads y Röyksopp]. Enjoy
Aunque ando algo melancólico, no voy a recomendar algo que nos derribe y nos adhiera al suelo para que luego nos recojan con espátula. Nada de eso. Al mal tiempo: música alegre... aunque esto que traigo ahora no es precísamente un manifiesto de alegría dionisíaca al 100%. Y es que este dúo sueco llamado The Knife, compuesto por Karin y Olof Dreijer, si bien se desenvuelve en el marco referencial del electropop, es capaz tanto de confeccionar perfectas piezas de baile como también verdaderos ejercicios de introspección y extrañeza.
Desde su debut en 2001 con el álbum The Knife, el dúo demostró su particular visión de la música pop, entendida como un territorio cuya amplitud es directamente proporcional a la inconforme creatividad que se vierte entre los resquicios aún inexplorados y, por tanto, fértiles. Paradójicamente, con su postura absolutamente renuente a las presentaciones en vivo y demás actividades mediáticas, el grupo adquirió más notoriedad. Deep Cuts del 2003 se adentraría un poco más a la pista de baile a través de diversos ritmos decidídamente electro con sonoridades acústicas y hasta... ¿tropicales?, sin desdeñar los momentos de aparente quietud donde Karin saca el mayor provecho a su fresca y flexible voz. En 2006 los hermanos Dreijer sacarían aún más filo al cuchillo, saliendo por primera vez de gira y editando Silent Shout, una colección de temas fieles a los esquemas del electropop pero enrarecidos hasta el punto de parecer extraterrestres, misteriosos, con voces manipuladas y reverberantes además de melodías plásticas y serpenteantes que, pese al predominio de los ambientes oscuros, desbordan color y texturas, todo lo cual se ve reforzado por la singular estética que The Knife imprime a su estilo con un buen trabajo audiovisual e indumentarias extravagantes para ocultar su rostro. De la gira quedó el dvd Silent Shout: An Audio Visual Experience, el cual es, simplemente extraordinario.
Quien haya disfrutado del álbum recomendado aquí hace unos meses de Alias & Tarsier, seguramente ha de saber que el trabajo de Alias en solitario es igualmente recomendable, aún cuando existen remarcables diferencias en relación a su dueto con Tarsier. Alias a secas es un poco más agresivo, audaz y menos condescendiente. Resurgam ('07), su segundo álbum como solista, está repleto de ritmos intrincados, distorsionados y rabiosamente resquebrajados que transitan la senda del hip-hop más experimental, permeable a influencias de la IDM o del shoegaze, haciéndonos recordar por momentos a Prefuse 73 con su flow electrónico o a Boards of Canada con sus atmósferas desvaídas y nostálgicas.
Rítmica cuidadosamente diseñada, aunada a melodías precisas y sorpresivamente cálidas, constituyen las trece piezas de hip-hop cerebral y refrescante de Resurgam, cuya mayoría instrumental enmarca unas pocas con la voz del propio Alias, además de la de Yoni Wolf (Why?) y de Tarsier como invitados. Una perla que no debe faltar en tu repertorio si te gusta la música de avanzada.
Quizá...quizá quien consiga éste álbum me maldiga por los siglos de los siglos...por eso no lo recomiendo a los seres de espítiru electrónico, porque se toparán con una ingrata sorpresa. La bruja es el nombre de ésta artista boricuosa que desde la isla puertorriqueña soltó como un sucio vómito el álbum Brujalicious, plagado de temas que pareciera no concuerdan unos con otros. Está en la escuela de la Mala y otras chicas hip hoperas que han surgido en los últimos años Puedo decir que el álbum no decepciona pero... ahi viene el pero...tiene siempre, como debía ser, algo de síndrome reguetonero que es por momentos inperdonable...aún así, el disco es bastante interesante y sumamente delicioso. Incluso, en alguno de ellos se escucha la participación de los señores CypressHillescos. Acá una muestra, el tema keep it movin like...
Acá un video animado de ésta exelente banda danesa: Kashmir. El tema, Surfing the warm industry. Oye K3V, como se que te gustan tanto las animaciones!!. Saludos y búsquense el disco llamado Zitilites.
Desde hace unos años, el concepto Pop es pan de cada día en la cotidianidad de la sociedad contemporanea. Sin lugar a dudas, sería la influencia de la filosofía divulgada por Andy Warhol en los años 60 la responsable de la percepción actual que se crea para un producto Pop, usandola como etiqueta para todo aquello capaz de generar emociones tan fuertes como efímeras, algo despampanate a los sentidos pero fácil de olvidar cuando das la vuelta a la esquina, objetos que seducen, se destapan, se consumen y se descartan al momento de estar ampliamente satisfechos el gusto y/o la necesidad. Y aunque banal y efectista, ¿que sería de la sociedad contemporanea sin un elemento trivial, capaz de ayudarle a desenfocar la dureza de la realidad con su trivial habilidad de generar entornos donde la felicidad no tiene límites?
El Pop, analizado desde su cualidad popular, es una necesidad de las masas. Es una manera que tienen los pueblos para identificarse socialmente dentro de un mundo lleno de miles de tendencias. Antes de Warhol, los impresionistas deslumbraban al pueblo pintando paisajes de ensueño en cuestion de bereves minutos por las calles de París. Antes que Madonna, María Callas desfilaba por los grandes escenarios del Jet-Set de los años 40 y 50, robandose ovaciones con su privilegiada voz y generando escandalos por su repentina transformación de gorda de opera a modelo de pasarela (teniendo en cuenta que en esos tiempos el Pop no contaba con elementos de la cirugía cosmética para generar cambios tan extremos a sus íconos en tiempos record), por no hablar de su bohemia y promiscua vida personal. Siglos antes de que de Jim Morrison dijera "Vive rápido, muere joven y serás un hermoso cadaver", Wolfgang Amadeus Mozart fue encarnación fiel de la fisolofía de vida ideal para una megaestrella popular. Es entonces cuando, en medio de grandes y celebres personalidades de la música que han permanecido vigentes por años, a pesar de concebir sus carreras en la superficialidad del Pop, vale la pena preguntarse si todo lo que está destinado a ser de uso inmediatista debe estar condenado tambien al olvido.
Dentro de este cuestionamiento, presento a consideración de ustedes a Republica, uno de aquellos proyectos que marcaron una pauta fuerte en el universo popular de los años 90. Enmarcados dentro de la mediatica etiqueta Brit-Pop, esta agrupación partió en pedazos la elaboración tradicional de lo que debia ser una banda de Pop Ingles, construida desde los Beatles y perpetuada hacia esos dias por las Spice Girls. Irreverencia con toques de vanguardia, letras de exqusito sabor punk, guitarras estridentes de las que se antoja oir a todo volumen, una marcada herencia de la alucinante escena Rave inglesa y una provocativa apariencia New Wave. Y como elemento extra a este interesante experimento, Saffron. Una de las imágenes visuales indispensables de la decada que precedió al nuevo milenio. Nacida en Nigeria, de padre portugues, de madre china, criada en Inglaterra. Dueña de una privilegiada e inconfundible voz, de una escandalosa y envidiable cabellera rojiza en forma de hongo, de una actitud locuazmente rebelde producto de sus múltiples influencias y de un halo inconfundible cuando se adueñaba del escenario. Saffron encarnaría la imagen y estilo de vida que toda adolescente inglesa moría por tener en la época. El producto de consumo perfecto.
Debutaron en el año de 1996 con un album homónimo, cargado con 10 enérgicas canciones llenas de la virtuosidad de Tim Dorney, Andy Todd y Johnny Male, aunandose a esto el irresistible carisma y talento de Saffron. 10 temas que inspiran a correr sin zapatos por una calle llena de aburridas personas vestidas en sastre y corbata, a brincar sobre la cama así ya no seas niño, a sacudir la cabeza de alegría, a bailar por horas sin miedo a agotarte, a rebelarte contra el mundo que te pone reglas y más reglas, a no comerte entero cada cosa que los demás quieren imponerte como la correcta, a ser un espíritu joven, autentico y autónomo. De este album lleno de júbilo, se extraería Ready to Go, himno Pop indispensable de la década, canción que indiscutiblemente se convirtió en su gran exito, pero tambien en su pesada cruz, catalogandolos como una banda más que solamente logró un exito rotundo en la radio. A pesar de su gran potencial, a pesar de imponer un estilo fielmente seguido años despues por muchos otros artistas más, Republica se hizo acreedora entonces a la irónica etiqueta popular de "La banda del Ready to Go".
Dos años despues, sin necesidad de esforzarse por demostrar su capacidad para superar una canción poderosamente contagiosa, aparecieron de vuelta con Speed Ballads, un segundo album en el cual demuestran que la energia irradiada en su trabajo anterior era apenas un ligero esbozo de lo que tenían para brindar. Letras más maduras y contestatarias, estridencia rockero-electronica experimental, una actitud aun más vanguardista y visionaria que la ofrecida años atras; una exquisita pieza cargada de 10 himnos urbanos, dignos de ser oidos cada vez que te sientas atrapado por la jungla de asfalto y sus voraces depredadores, con la entera capacidad para dejarte en disposicion de salir a conquistar el mundo a grandes pasos y gritar sin miedo que estás vivo y presente. Aún así, el peso de la cruz heredada un par de años atrás sería más fuerte que la tremenda calidad de este trabajo, archivandolo como un producto más de consumo, que simplemente no llamó la atención. Y sería esa misma jungla de asfalto contra la que tanto se rebelaron la que los llevaria a separarse unos años despues de manera espontanea (hoy día en su sitio web simplemente manifiestan que no estan trabajando en estos instantes, sin confirmar si siguen o se disuelven), quizas concientes de que el mundo Pop no estaba preparado para el virtuosismo dirigido hacia las masas.
En los años siguientes, la escena se ha repetido: artistas Pop van, artistas Pop vienen. Y la vida para los integrantes de Republica siguió, como para todos los demás habitantes de este popular planeta. Con esbozos de carreras en solitario poco exitosas, fue en septiembre del año pasado cuando sorprendieron reuniendose en un escenario para tocar 3 canciones de su corta y poderosa discografía. Con una timida intención de revivir la magia de hace más de una decada, cuando preferian encasillarse como un grupo de techno-pop-punk-rave-rock. Con su energia y virtuosismo intactos. Con una Saffron a la cual no parecen pasarle los años, líder de masas indiscutible. Con la puerta entreabierta, quizas dispuestos a sorprender con un tercer trabajo, que seguramente vendría cargado de su intacto vanguardismo. El mundo Pop cada vez exige consumir más y recordar menos. Dejo a consideración la discografía de una genuina banda popular, de esas que, a pesar de tener el estigma de producto, tienen suficiente para ser oidas más de 10 años despues de aparecer en escena y seguir conservando la vigencia que solo los grandes talentos logran con el paso de los años. De cada uno de nosotros, parte de la popularidad, depende si es algo para celebrar o para dejar en el olvido.
Duales. Enigmáticos. Polémicos. Tan reales que pueden ser casi imperceptibles y a la vez ampliamente reconocidos. BoardsofCanada es uno de esos proyectos que logra generar un halo de reconocimiento a través de un hecho tan simple como la confusión, alejándose por completo de cualquier forma de promoción, refugiados en algun paraje de la lejana Escocia, su tierra de origen, permitiendo que sea la voxpopuliquien se encargue de decir lo que se quiera de su existencia, logrando con ello catapultar su fama y generar ese halo casi mítico que se ha creado en torno a su genialmente misteriosa y esquiva existencia en el mundo de la música.
Los hermanos Michael y MarcusSandinson, en la misma tónica de los entrañables amigos De Homen-Cristo y Bangaltier (para el público, Daft Punk), las hermanas Casady (mejor conocidas como las CocoRosie) o los esposos-amigos-cualquieraquesealarelaciónde Ben Watts y Tracey Thorne (para el público, los Everything But the Girl), hacen un uso ambiguo de su vínculo familiar y/o afectivo, para estar en boca de todos. Renuentes absolutos a las giras de conciertos, alejados de cualquier forma de difusión de su música y completamente herméticos en su privacidad (a pesar de que vienen haciendo música formalmente desde comienzos de los 90, solo fue en el año 2005 cuando decidieron revelar su lazo sanguíneo, el cual decidieron mantener oculto precisamente en función de no ser encasillados en esa categoría de dúosmúsico-filiales). No obstante, ha sido esa condición de mentes brillantes escondidas en un duro caparazón la que los ha catapultado como uno de los proyectos de música electrónica más innovadores de los últimos tiempos. Su estilo musical, la concepción de su música y su misma aura de misterio y reserva que los lleva a estar alejados de lo mediático los ha convertido en inusuales estrellas de culto, de los cuales se ha especulado una intención oculta de difundir mensajes subliminales tanto en su concepto gráfico, una oda visual a la imaginación ilimitada, como en sus canciones, cargadas de sonidos que se mueven ágilmente entre lo oscuro y lo psicodélico, entre ambientes densos y universos etéreos, entre ruidos irreconocibles, voces que hablan insistentemente de cualquier cosa y sonidos extraídos de la naturaleza, que logran transportar la mente a parajes paralelos, a terrenos inexplorados en los cuales es únicamente el singular color de sus melodías lo que se necesita para mantener el enajenamiento onírico.
Los músicos y cantantes contemporáneos son amigos inseparables de los medios masivos, de los cuales dependen casi todo el tiempo con el fin de difundir su actividad a través de ellos; BoardsofCanada no solo se aleja de este esquema, sino que lo coloca en un nuevo nivel: el de ser grandes estrellas ocultas y reacias al mass media, de las cuales todo se puede decir, pero nada confirmar. De las cuales se generan cantidades de mitos urbanos, de las cuales no se puede saber que sea cierto y que no. De aquellos que generan opiniones encontradas, pero nunca pasan desapercibidos. Son ambos una construcción, un imaginario que se reafirma en la autenticidad y el eclecticismo de sus canciones, IDM para algunos, Trip-Hop para otros, Hip-Hop Abstracto para otros más... desde su perspectiva, simplemente es música.
Aquí está entonces la abstracta amplitud del universo de BoardsofCanada, mostrando en una de sus pocas apariciones en vivo, del año 1999, su sorprendente capacidad para crear espacios envolventes en los cuales la ficción y la realidad pierden significado, lo único que cuenta es estar en la Alta Tierra de los hermanos Sandinson. Enjoy.
Hay tanto que decir de SébastienSchuller y tan poco espacio para transcribirlo...
En realidad es mucho lo que se puede decir de este francés, quien entrado en los 30 decidió aventurarse en el arriesgado mundo de la música contemporánea, saturado de artistas jóvenes con apariencias impecables, actitudes ligeras y sonidos plásticos de fácil digestión, hablando en un lenguaje diametralmente opuesto al que ofrece el espectro actual. Entre la saturación de sonidos descartables a la cual la primera década del nuevo milenio se ha visto expuesta, Schuller aparece en el año 2005 con su trabajo debut"Happiness", ocultándose tras una triste máscara, con una visión del mundo a blanco y negro, sin videos fastuosos llenos de baile y color, mostrando 11 canciones cuya última intención es dibujar felicidad en el rostro, aunque el titulo de su álbum pretenda vender lo contrario. Un acto suicida para un artista que ve la luz por primera vez en un entorno donde la imagen vale mucho más que en años anteriores. Un hermoso suicidio, cuando se comienza a contemplar la potencia de 11 temas gloriosamente viscerales, concebidos en la ecléctica experimentación electrónica que ha caracterizado a la música francesa en los últimos años, de letras profundas e intimistas, de música poderosamentehipnótica y cargada de sentimientos encontrados, los cuales generan universos exquisitamentesurrealistas en donde este brillante músico y compositor describe de manera crudamente real toda la angustia personal que se vislumbra tras el mundo perfecto que se nos ofrece hoy día.
Lejos de ser un trágico debut, "Happiness" tuvo una gran acogida entre el público y miles de críticas favorables, siendo considerado por muchos uno de los álbumes más hermosos de la década y uno de esos trabajos que abrieron la puerta a una nueva generación de artistas a nivel mundial que se han atrevido a brillar con luz propia, bajo el halo enceguedor de la superficial industria musical moderna. Cuatro años después de fascinar oídos y tocar corazones, Schuller regresa a la escena con "Evenfall", un trabajo en el cual muestra como el suicidio de "Happiness" definitivamente no fue consumado, trayendo de vuelta a un artista dispuesto a trazar la continuidad de un proceso vital. Este segundo conjunto de temas, 10 en total, refleja a un SébastienSchuller más sereno, pero no por ello menos apasionado y reflexivo, apostándole a las permisividades acústicas sin abandonar el terreno electrónico experimental en el cual plasma sus creaciones con habilidad de pez en el agua, mostrando una vez más su visión melancólica de la vida contemporánea, extrañando viejos tiempos a través de canciones que tocan la fibra en sus niveles más sensibles y hacen desear vivir en ese mágico mundo que cada una de sus piezas describe. Para "Evenfall" se ha permitido un poco más de color, pero solamente el que suele aparecer en nuestros imaginarios, cuando se anhela estar en otro lugar, en otro estado, en otro territorio, con otras personas, lejos de la asfixiante realidad que el mundo real nos obliga a vivir diariamente.
Se podría hablar de SébastienSchuller como un nuevo Mesías de la música. Como un profeta de lo que será el nuevo rumbo de la industria. Como una prueba de que hay vida promisoria para un cantante después de los 30. Se pueden decir muchas cosas. Mientras su música siga guiandonos hacia una tierra prometida, generada desde la más profunda de las tristezas, desde la más honda de las melancolías, más que decir, lo mejor es abrirle la mente y el alma a una de las propuestasmusicales más honestas, emocionantes y pasionales de los últimos tiempos. Madames, Monsieurs: SébastienSchuller.
A Normal Family es el título que el trío Baby Fox dió a su álbum debut en 1996, una delicia fabricada en el Reino Unido con la misma carga emotiva de las obras que en aquellos años se gestaron principalmente en Bristol y posteriormente en otras partes de Europa. A Normal Family es el resultado de sesiones grabadas y experimentaciones donde se mezclan amablemente jazz, reggae, dub y downtempo, con oscuras atmósferas y sexys vocalizaciones como aglutinante por parte de Christine Ann Leach.
Hay un montón de bandas en el mundo llamadas LSD, pero la que hoy nos ocupa viene de Houston, Texas y utiliza estas siglas para abreviar Last Soul Descendents. Este dúo asegura tener entre sus múltiples influencias a Portishead, Depeche Mode, Massive Attack, Sade, Dj Krush y muchas más, pero las mencionadas definitivamente dejan clara la línea que sigue este proyecto que se encuentra activo desde 1996. He aquí su sexto álbum, True Sol (2007), degustable de principio a fin. Satisfacción garantizada... y si no quedas conforme, te devolvemos el click.
Del álbum Progressive Tranquility (2005) uso el tema Lisse Gruv para ilustrar este post.
Brookland/Oaklyn (2006), es una pequeña gran joya salida de las buenas labores de Alias (una de las más destacadas figuras del sello Anticon) y Tarsier, integrante del colectivo Brooklyn's Electronic, cuya adorable voz había sido sampleada anteriormente en trabajos personales de Alias y que ahora forma parte integral de este proyecto conjunto que viene a oxigenarnos generosamente. Excelentes canciones muy bien musicalizadas bajo la óptica inconfundible de Alias: hip-hop, trip-hop y electro-pop alternados armoniosa e inteligentemente. Un disco hermoso con una producción de alta factura hecha casi enteramente vía e-mail debido a la distancia física entre ambos implicados. Valió la pena el esfuerzo.
The novelty is wearing thin Oh no he's a crier Look him, he's ahead He'd laugh with passion [ There's the pinnacle ] The door is open And the room feels different Believe me
I once was a wanderer like you
I lost a word this one day Has anybody found it Your craft to silence just walked away Your door is open but the room feels different Believe me
Keep your secret brother Forever When night begins to lower You're surrounded
Porque nos encanta el post-rock y muy especialmente el producido en Islandia por su belleza y delicadeza, características derivadas de quién sabe cuál afortunado fenómeno natural o energético propio de aquéllas latitudes y que siempre agradeceremos desde lo más hondo de nuestro espíritu, traigo hoy a Riceboy Sleeps, una colaboración artística que comenzó como un proyecto paralelo a Sigur Rós donde participan su vocalista Jónsi Birgisson y su novio Alex Somers.
Comenzaron produciendo un libro de hermosas imágenes plásticas del cual se editaron unos 1000 ejemplares en el 2006, únicamente disponibles en Islandia. Más tarde esas imágenes parecen haberse transmutado al sonido, reflejándose en este primer trabajo musical editado en el 2009 y titulado igualmente Riceboy Sleeps. Una colisión de nubes de ensoñación, confluencia de ríos de nostalgia, testimonio sonoro de la unión de dos almas y de muchas historias alzando el vuelo.
Kronos Quartet no necesita presentaciòn. Y es que este cuarteto de cuerdas estadounidense tiene en su haber una discografía icónica. Basta con rememorar el álbum Five Tango Sensations o el mismisimo soundtrack del film Requiem for a Dream... sin embargo éste album Nuevo(que no lo es tanto ya) indaga -como siempre- terrenos desconocidos. Se trata ésta vez de un tributo, muy alejado de los String Quartet que pululan en la red. NO!. Kronos no se limita al cover, reinterpreta magistralmente algunos temas muy muy muy conocidos por la muchachada. El punto de orígen de éste álbum fue México (para ello, Kronos contó con el invaluable aporte de los Tacvbos). "Nuevo" nos presenta temas conocidos por el vox populi y algunos que trascendieron fronteras (especialmente, el genial Chavosuite, un popurrí de algunos de los temas de éste icónico programa). Un álbum de colección, como todos los trabajos de éstos excelentes cuerdistas.
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