A tientas en la niebla

Fog es un trío de Minneapolis liderado por Andrew Broder, 50% de Hymie's Basement (recomendado hace tiempo en este blog). La creatividad de Broder se despliega en la más desenfadada experimentación dentro de ese amplio subgénero de contornos difusos que algunos convienen en llamar indietronica, combinando hip hop, folk, rock alternativo, algo de electrónica lo-fi y muchos scratches y samples diversos. En su álbum debut autotitulado (2002), todos estos elementos conviven en simbiosis, pero si algo define la música de Fog es su misma indefinición. En este sentido, el trío reinventa su sonido en cada una de sus grabaciones, guardando siempre una conexión en el espíritu avantgarde que las anima, influenciado según ellos por gente muy disímil entre sí como Bob Dylan, Prince, Black Sabbath, Neil Young o The Notwist. Así, en Ether Teeth (2003), en comparación al debut, las composiciones son mucho más sosegadas y abundantes en arreglos acústicos y sonidos de campo, llegando casi a rozar las lindes del post-rock. En el EP Hummer (2004), Fog se inclina hacia un noise-pop psicodélico y accidentado; en 10th Avenue Freakout (2005), por el contrario, prefiere composiciones lineales, con estructuras pop decoradas con elementos lo-fi, líneas melódicas y distorsiones de guitarra como denominador común; y en Ditherer (2007), su último trabajo hasta la fecha, el trío se sumerge en aguas más "metálicas", más turbulentas, pero sin desatender esos momentos de delicadeza capaces de apaciguar las neuronas más excitadas y rocknrolleras.

Con su tránsito errático, Fog avanza a tientas entre la niebla que le da su nombre, consciente de los beneficios creativos que confiere ese andar velado por derroteros de incertidumbre, que pueden conducir hacia lugares tan misteriosos como sorprendentes, pero nunca comunes.

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Fogtimewaster.com
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Para no pensar

"Nocow gusta de experimentar con la música. Las reglas significan poco para él, puesto que hace lo que quiere. Nunca sabiendo adónde lo llevará su música. Las posibilidades son ilimitadas". Así reza la entusiasta presentación que en Dead Pop hacen de Alexey Nikitin, a.k.a. Nocow, joven músico y productor de San Petersburgo, Russia, cultor de un downtempo liviano y digerible, apto soundtrack para esos momentos del día en los que no se requiere pensar demasiado. Aquí su primer LP Hopaji (2009).

Más easy listening para empezar la semana relajados... y si mola, puedes conseguir sus EP's en el enlace de Parallaxounds.

Parallaxsounds
Myspace

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Como llovizna matinal

Trinah es un grupo alemán de esos que se dedican a cultivar sonidos amables, responsables, sin un ápice de conflicto o veneno. La música de este quinteto es ligera y clara como llovizna matinal, donde su vocalista Kathrina März, más que cantar, lo que hace es susurrar con su voz angelical, edulcorando bases downtempo y arreglos folk digeribles como el agua destilada. Si te gusta esta onda 100% easy listening, entonces el álbum debut Rainwatcher (2008) te encantará.

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Trinah.de
CdUniverse
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The Notwist + Four Tet + Manitoba

Desempolvo esta sección dedicada a Remixes para recordar el grandioso tema This Room de The Notwist (en un video hecho por un fan), y una excelente remezcla realizada nada más y nada menos que por Four Tet y Manitoba. Enjoy!

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Golosina cr☺mática

La música que nos propone el anglosuizo Laurent Clerc bajo su alias Little People, quizás pueda evocarnos a DJ Shadow, Portishead o Nightmares on Wax, y a pesar de eso, encantarnos con su impronta personal y convencernos de su innegable pericia. Little People hace gala de loops rítmicos deliciosamente construidos, de un uso sobrio y cuidadoso del sampler, y de sugerentes melodías de piano y sintetizadores que crean ambientes ambiguos, los cuales, si bien provocan introspección, lo hacen hacia una instancia del ánimo donde se cuela la luz que revela un mundo cromático lleno de optimismo. Su álbum debut Mickey Mouse Operation (2006) es una pequeña golosina que se disfruta de principio a fin.

LittlePeopleMusic.com
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Fagocitando beats

Hace un año que sigo de cerca las andanzas de Dylan Richards, a.k.a. King Cannibal, anteriormente conocido como Zilla. El sonido del maxi "Aragami Style" me atrapó de inmediato por ser un extrañísimo híbrido entre dancehall, grime, dubstep y vestigios de drum’n’bass; desbordante de energía y desenfado. King Cannibal fagocita cuanto estilo se cruce en su camino y lo regurgita en forma de beats contundentes, cohesionados por sintes hardcore y fragmentados por desquiciantes breaks. Su álbum debut Let The Night Roar (2009), muestra ese delirante universo sonoro que puede, o bien hacerte bailar desenfrenadamente, o bien saltar por la ventana en un arrebato de euforia.

Complemento este post con singles y remixes que podrás encontrar aquí y aquí.

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GodsOfWar.com
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Austero y eficiente

El conocido Dj Vadim, oriundo de Leningrado (hoy San Petersburgo), quien ha desarrollado una corta pero robusta carrera de la mano del sello Ninja Tune, ha firmado gran cantidad de producciones y colaboraciones con otros artistas. Uno de sus proyectos fue el grupo One Self, que vió la luz por primera vez en 2005, para el cual fungió de Dj y productor, junto a su esposa Yarah Bravo y Blu Rum 13 en las voces y las líricas, algunas con crítica social y política. Children Of Possibility fue el álbum debut, cargado con un hip hop algo más preogresivo, cosmopolita, cálido, diverso y colorido que el de Dj Vadim en solitario, evocando tres continentes con economía de sonidos y eficiencia humanista. Un disco apropiado para escuchar en el metro sin pensar en la misantropía que genera la convivencia dentro de grandes urbes.

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one-self.net
djvadim.com
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Como el titanio

Mathew Peters es Mad EP, un violonchelista de Iowa enamorado de los sonidos electrónicos pero renuente a casarse con alguno en particular. Después de muchisimos trabajos en colaboración con otros músicos de la escena underground, con los que ha abarcado un amplio espectro estilístico, edita el álbum Bass.Hed (2008), cuya columna vertebral se erige en el hip hop diluído en sus paisajes musicales, los cuales combinan instrumentaciones acústicas con beats obesos y a veces rotos, paralelos a buenas y variadas vocalizaciones de Mc's invitados. Un disco muy recomendable para pisar fuerte en los senderos de la selva de concreto pero sin perder liviandad en el desplazamiento.

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Mad-ep.com
AdNoisem/buy
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"C" de...

Puscifer fue la protagonista de nuestro post Nº 666, y luego de su "V" Is For Vagina y su "V" Is For Viagra, la traemos de vuelta con su nuevo EP titulado "C" Is For (Please Insert Sophomoric Genitalia Reference HERE) -2009-. Otro buen trabajo del gran Maynard James Keenan, quien esta vez prefirió dejar a nuestra imaginación el título de este trabajo... Escúchalo y completa el título (A mí se me ocurren varias cosas con C).

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Puscifer.com
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Sucios y elegantes

Dandole escucha al trabajo musical de Port Electric (que entre otras, aparece por la red también con el nombre de Hamrasmus...otro misterio sin revelar), que fue de los primeros post que por acà se dieron, re/encontrè a Dirty Elegance, que se va por la corriente trip/hop y hace honor a su nombre. Desde Nueva York, un sonido con elementos zoomamente interesantes, una experiencia para los sentidos y un placer cotidiano: Ode To Bartleby 1 Ode To Bartleby 2

zoomo

De exilios planetarios y otras hierbas

Siempre me parecen muy divertidas las reseñas que de sus lanzamientos hace la gente de Amazona Records:

"Guerras mediáticas, crisis mundial, profecías mayas, peladera 'e bola, idas de luz entre otros aspectos de la buena vida, mantuvieron a los funkers en el exilio planetario, looking for a new sound, recorriendo galaxia por galaxia se dieron cuenta de que lo que buscaban en realidad estaba en sus computadoras del planeta tierra, finalmente Gaia 'ta listo pa' su segunda dosis de física cuántica pro (sonora), terricolas! Los Mother Funkers Vol. 2 han llegado".

Electrónica casera "made in" Colombia y Venezuela... Let's groove!

1. Elerreme - 4
2. Esek8 - Malabares
3. Bzmbzdim - P.S. I LO you
4. 3uho - Fonk Malandro
5. Turbyo - Blue Wine
6. Juan Medina - Lentamente
7. Boonk - Your Body and Soul
8. Burguez - Paranoia
9. S.T.H - Street Visions (CoPz!)
10. Fonkdongo - Kream

descárgalo aquí (o en el vynil)

AmazonaRecords

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Dr. Jekyll vrs. Mr. Hyde

Si, sì...a veces figuro como los dos extremos: el bien y el mal. Hay un Mr. Hyde dentro de nosotros y a veces, éste sale a relucir en mis post. Es por esa razón que pido no se asusten, no se rasguen vestiduras y sobre todo, no maldigan. Es la melomanía que no deja en paz. Es ese ir y venir de extremo a extremo que a veces pareciera ser otra persona, con otros gustos, otros oídos. Ese es el caso de ésta Golosina que comparto. Se trata de el primer trabajo musical de Pedro Manuel Guerra Mansito. El man.
El man nació en Canarias y ha tocado, mejor dicho, con medio mundo. Ciertamente, lo conocí apenas éste año porque claro, uno tiene siempre la frente arrugada cuando ha escuchado poco y no sabe nada. Pero el mancito me cautivó. Hice un repaso por toda su discografía y sinceramente, sinceramente recomiendo su escucha. Vale la pena tomar de éstas Golosinas.

zoomo

Cuentos Tripomáticos de los Hermanos Jam & Spoon

Alemania es la tierra de los cuentos de hadas por excelencia. Desde allí, los hermanos Grimm convirtieron leyendas y mitos tradicionales en historias cargadas de fantasía y surrealismo, de sueños hechos realidad, de alucinaciones que ubican en universos mágicos con duendes, brujas, realeza idealizada y seres del común alcanzándola. Algunos siglos después, desde la misma tierra, convertida en cuna de la vanguardia electrónica, surgirían en la escena musical un par de genios que, con o sin intención, decidieron a través de la música plasmar el espíritu de los cuentos fantásticos; el resultado: una trilogía de sonidos experimentales convertida en objeto de culto.

Jam El Mar y Marc Spoon, músico y DJ respectivamente, se juntaron por primera vez en el año de 1991 para trabajar como dueto, publicando BreaksUnit1, un album debut que pasaría sin pena ni gloria. Dos años despues, aparecío en escena Tripomatic Fairytales 2001, el comienzo de esta aventura por la experimentación sonora. Considerado por muchos como el álbum precursor del movimiento trance, este visionario trabajo viene cargado de canciones provocativas y envolventes, que se convierten al escucharlas en un hipnótico viaje a universos de enajenamiento mental, que controlan la percepción y la condicionan al placer del baile con sus armónicas, metódicas y enajenantes melodías.

Hacia 1994 publicaron Tripomatic Fairytales 2002. Si la primera parte de estas fabulosas historias fue una explosiva invitación a la danza, esta segunda entrega resultó ser, sin duda alguna, un ángulo diametralmente opuesto. Alejándose de la descarga de energía mostrada en el trabajo anterior, esta nueva entrega de cuentos tripómaticos es una exploración a las más relajadas y enigmáticas expresiones del ambient y el chillout, en un compendio de piezas reflexivas y exóticas que exploran sin temor diversidades sonoras, conservando intacto el halo de psicodelia mostrado en su anterior compilación.

Diez largos años transcurrieron desde la aparición de estos visionarios cuentos de hadas, en los cuales estos hermanos musicales publicaron dos trabajos más bajo los seudónimos de Storm y Tokyo Ghetto Pussy, mas un trabajo intermedio en 1997 llamado Kaleidoscope. Solo hasta el año 2004 vio la luz el aun más visionario Tripomatic Fairytales 3003, una creación cumbre que toma rumbos disimiles a sus predecesoras. Oscuro y envolvente, seductor y poderoso, este tercer compendio de historias hace gala de exploraciones en sonidos electropop refinados y de avanzada, en el cual voces como la de Plavka (su cantante musa y prácticamente una tercer miembro de este experimento musical), la de Dolores O'Riordan y la de Tricky, entre otras, logran una amalgama con melodías que viajan hábilmente entre el espíritu del baile y la seducción onírica. Esta tercera parte resulta ser un equilibrio perfecto de sus trabajos anteriores y una invitación a visualizar los sonidos de la música pensada para un nuevo milenio.

En el año 2006, la continuidad de las historias tripomáticas se vió afectada con la muerte de Marc Spoon por un infarto al corazón, dejando nula la posibilidad de tener una cuarta entrega, un nuevo capítulo de estos cuentos de hadas para el oido. No obstante, nos queda el legado de 3 trabajos creados por un par de visionarios que, tal y como lo hicieron los hermanos Grimm con sus cuentos y narraciones siglos atrás, se atrevieron a plasmar en sus creaciones mundos vanguardistas cargados de magia, imaginación y sueños hechos realidad. Para que todos vivieramos felices por siempre.

Collage radiofónico

Que la radio como primer medio de comunicación y entretenimiento masivo ha ocupado un lugar muy importante en el desarrollo de la sociedad y la cultura es un hecho indiscutible. Su potencial estético es tan elevado que los artistas del movimiento futurista de principios del siglo pasado ya lo explotaban para sus experimentos sonoros. Más tarde el gran músico y compositor John Cage, en su lúcida visión filosófica y vanguardista del arte, tomó la radio como materia prima para muchas de sus composiciones, haciendo sonar simultáneamente varias radios mal sintonizadas para integrar el ruido y la estática a sus piezas musicales. Sobre estas experimentaciones y su trascendencia, Cage afirmaba "Creo que el uso de ruidos en la composición musical irá en aumento hasta que lleguemos a una música producida mediante instrumentos eléctricos, que pondrá a la disposición de la música cualquier sonido y todos los sonidos que el oído pueda percibir. Se exploran los medios fotoeléctricos, el filme y diversas mecanismos para la producción de música". Esto es algo que ya en la década de los 30 representaba la gestación de lo que hoy es la música electrónica. En este sentido, podría decirse que el potencial musical de la radio como herramienta compositiva no es en absoluto una consideración reciente o innovadora, pero utilizar la radio para hacer hip-hop, definitivamente sí que lo es.

El norteamericano Aleksander "Exile" Manfredi, proveniente de una familia de músicos tradicionales, ha dado un paso adelante con su tercer álbum titulado Radio (2009), un inteligente collage de sonidos capturados directamente del radioreceptor, amalgamados a través de beats de puro sabor urbano. Si algo tiene el hip-hop, es la facultad de reinventarse fácilmente gracias a su solubilidad y sana promiscuidad, pero esa facultad requiere de la genialidad de mentes inconformes como la de Exile. Radio es un logro que va más allá de una grabación curiosa o extravagante, aunque no sabemos hasta dónde exactamente... quizá la amplitud modulada o la frecuencia modulada de la creatividad de Exile determinará su alcance.

DjExile.com
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Correcto y eficiente

Opgave es un proyecto de un productor que se hace llamar The Saboteur, oriundo de Los Angeles. Este señor ha digerido eficientemente el legado de ese híbrido musical noventero que muchos convienen en llamar trip-hop. Su trabajo presenta reminiscencias de gente como The Album Leaf, Beck, Cinematic Orchestra, Diplo, Dj Krush o Dj Shadow, ya sea en los beats, o en las construcciones melódicas a través del buen uso del sampler. Técnicamente correcto, y además, entretenido. Su mini álbum Writing The Silver (2006) así lo demuestra.

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Orgánico y maquinal...

Hablando de músicos importantes cuya obra excepcionalmente genial nos deleitará a través del tiempo y más allá de cuestiones comerciales, habría que mencionar más temprano que tarde al señor Markus Acher, el inquieto multinstrumentista, cantante y compositor alemán cofundador de The Notwist (ampliamente recomendado en este site), así como de Tied & Tickled Trio, y del proyecto que constituye el foco de este post: Village Of Savoonga. Este efímero y glorioso proyecto fundado en 1992, tendió un puente entre el kraut-rock de los setenta y el post-rock de los noventa, desarrollando un trabajo todavía tentativo entre cacofonía y penumbra.

Su álbum Philipp Schatz (1996) muestra la elegancia, la austeridad y la profundidad de la música clásica. Piezas como Nunca Serenada, Partida, Notion, In Search Of The White Room y Music For Hydrophonic Instruments, aplican las técnicas y estilos que fueron inventados 30 años antes, pero con la sabiduría de 30 años más tarde. En el miniálbum Score (1998), se decantan por una progresión de la música industrial y del minimalismo hacia la abstracción, donde confluyen el expresionismo y el doom psicodélico: guitarras disonantes, metales, samples y zumbidos que ondulan con una especie de melodía sobrenatural. Los trabajos de Village Of Savoonga yacen casi ignotos bajo la sombra de The Notwist, pero resuenan a través de su naturaleza orgánica y maquinal, para ser oídos por quienes aman la música de avanzada.

*Para descargar ambos trabajos haz clic en el vynil.

Hausmusik
Discogs/Philipp Schatz
Discogs/Score
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Del tiempo y sus fauces

La película Sturm del guionista y director alemán Hans-Christian Schmid, es un trhiller político que se desarrolla a partir de que esqueletos humanos procedentes de crímenes de guerra sean hallados dentro del armario de un político popular croata. La película analiza profundamente los complejos procesos legales, éticos y morales involucrados en la gestión del TPIY (Tribunal Internacional para el enjuiciamiento de los presuntos responsables de las Violaciones graves del derecho humanitario internacional cometidas en el territorio de la ex Yugoslavia desde 1991), y expone la inquietante realidad en torno a la impunidad sobre genocidios como los de Sarajevo, amparados en el poder político y económico de los grandes líderes que mueven a su antojo los hilos de la justicia.

Para realizar la banda sonora de semejante drama, Schmid solicitó los buenos oficios de The Notwist, completos veteranos en el arte de conmover con los sonidos precisos. El grupo nos introduce eficazmente en el escabroso escenario de la incertidumbre que reina en la existencia humana y en las contradicciones de su devenir. Las lúgubres atmósferas que engullen pequeñas notas luminosas, parecieran evocar la facultad que tiene la memoria para diluirse en la sombra del tiempo, y en el silencio de quienes se niegan a mantener presente el nombre de los que desde hace mucho están irremediablemente ausentes. Sturm (2009), palabra alemana para Storm o "Tormenta", es el segundo soundtrack compuesto por The Notwist; denso y hermoso, digno de una de las mejores bandas de las últimas dos décadas.

Notwist.com
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Audacia nipona

Entre los japoneses más interesantes que hemos recomendado en el TripOptico, sin duda se encuentra el multinstrumentista Keigo Oyamada, a.k.a. Cornelius, por su particular y poco condescendiente visión de la música. Aunque a menudo sea comparado con Beck por sus experimentaciones dentro del rock alternativo, Cornelius se muestra aún más audaz, más extravagante y más a la deriva en términos estilísticos, siendo este quizá su principal atractivo.

El disco Fantasma (1997), el tercero de su carrera, nos pasea oscilante, cual montaña rusa, por desquiciantes momentos de experimentación sonora, samples yuxtapuestos y ruidos misceláneos; como también por momentos de verdadero esplendor instrumental con amables melodías entretejidas con holgura. Este album cuenta con un extended play titulado FM -Fantasma reMixes- (1998), con vueltas de tuerca hechas por Damon Albarn, Unkle y Coldcut, entre otros. Un par de discos indispensable.

Ilustro con el maravilloso video Fit Song del álbum Sensuous.

Cornelius-sound.com
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Amazon/Fantasma
Amazon/FM
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Metáfora boreal

Desde el Norte de Edimburgo, Reino Unido, el diseñador gráfico Graham Richardson se viene con su proyecto musical titulado Last Days, fuertemente influido por la frialdad y oscuridad del clima de esas latitudes, amén de sus profundas ideas y sentimientos traducidos en atmósferas minimalistas, donde el piano, sonidos de campo y ruidos digitales confabulan para sumirnos en una especie de letargo consciente, un estado de instrospección de cara a la soledad como condición inmanente e ineludible de la naturaleza humana. En su disco These Places Are Now Ruins (2007), Richardson nos devela paisajes desolados, únicamente habitados por quien lo contempla lleno de sensaciones encontradas, de decepciones, animado por la esperanza vaga que se gesta en la distancia, pero extraviado en la futilidad de intentar reclamar memorias perdidas.

En The Safety Of The North (2009), estos sentimientos son nuevamente evocados a través de hipnóticas atmósferas shoegaze de frío cromatismo, de díadas de guitarra que marcan el ritmo entre líneas de sinthes lo-fi, y de la incorporación de una emotiva voz femenina que parece arruyarnos con su frágil canto en May Your Days Be Gold. La voz de una niña también aparece en algunos tracks, como venida de algún lugar austral, trayendo recuerdos difusos, dibujando imágenes con sus palabras, completando el paisaje con habitantes inmateriales. En este tibio nicho de texturas y emociones que Richardson crea para nuestro cobijo, el Norte deviene en símbolo, metáfora de ese no-lugar elevado y solitario al que es preciso subir para el reencuentro del sí mismo.

n5md.com
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Delicada promesa

Como una bruja fugitiva de la inquisición medieval, aterriza en nuestros días la austriaca Anja Plaschg, a.k.a. Soap&Skin, para hechizarnos con su nostálgico piano melódico y las herramientas de este siglo tecnológico. Aparentemente imbuída en la estética steampunk, Soap&Skin nos regala pequeñas grandes canciones que no superan los cuatro minutos -a excepción de Brother Of Sleep-, pero que en su brevedad concentran todo un horizonte de profundas emociones, como una gota contiene en su esférica languidez la infinitud del océano. La delicadeza, madurez y densidad de sus composiciones, resultan sorprendentes y nos hacen olvidar por completo que esta chica tiene tan sólo dieciocho años de edad. Realmente vale la pena hacerle seguimiento a su muy prometedora carrera que ya nos ha dejado un primer y suculento fruto: Lovetune for Vacuum (2009).

Soap&Skin.com
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Para la posteridad

Una vez, el director de la revista francesa contracultural Actuel escribió una frase que me encanta: "En Inglaterra tienen a Peter Gabriel, en Estados Unidos a David Byrne y en Francia tenemos a Hector Zazou". Esto deja más o menos claro el estatus artístico del músico avant-garde y escultor sonoro franco-argelino Hector Zazou, aunque no menciona que sea menos conocido que aquéllos. Su carácter notablemente discreto, hacía que fuese rara su aparición en fotos, pero por otro lado, garantizaba el desarrollo de una obra musical robusta y trascendental. Zazou aseguraba estar siempre aprendiendo. Decía que avanzaba a tientas en la oscuridad y que solía golpearse la cabeza contra la pared... "Una lucha cotidiana por la libertad". ¡Y vaya si la logró!.

Zazou fue un enlazador de mundos, siempre interesado en unir oriente y occidente a través de la música, influida esta por Captain Beefheart, Brian Eno, la música tradicional de diversos lugares del mundo, y la pintura abstracta, especialmente la de Rothko y Pollock. A poco más de un año de su desaparición física, le rendimos un pequeño tributo en el Bloggazine, recomendando parte de su amplísima e interesante discografía, para la cual Zazou solicitó siempre la colaboración de artistas de diversas escenas y nacionalidades, mostrando cierta predilección por las voces femeninas.

En su álbum Chansons de Mers Froides (1994), Zazou se inspiró en los paisajes árticos, y junto al camarógrafo Philippe Roméo, grabó canciones tradicionales de Alaska, Canadá, Groenlandia, Islandia, Japón y Escandinavia, así como cánticos chamánicos y canciones de cuna de tribus aborígenes de esas regiones. Una fusión entre folklore foráneo y electrónica experimental fue el escenario para la colaboración de Värtinä (grupo finlandés), Suzanne Vega, Björk, John Cale, Siouxsie y Tokiko Kato, entre otros.

Para Las Vegas Is Cursed (2000), Zazou se hace acompañar por la excéntrica cantautora Sandy Dillon (recomendada hace muy poco), para crear composiciones oscuras y extravagantes, experimentos sonoros donde la electrónica y la instrumentación acústica generan ambientes sórdidos, llenos de contrastes y aires industriales, con claras referencias al cine negro.

En cambio, en Strong Currents (2003), Zazou se inclina hacia composiciones más apacibles y crea un diario íntimo con canciones acústicas que cuentan con la voz de interesantísimas invitadas como Laurie Anderson, Jane Birkin, Nicola Hitchcock (de Mandalay), Lori Carson, entre otras, además de la colaboración de músicos como Bill Rieflin (baterista de R.E.M.), el multinstrumentista Dennis Rea y el japonés Ryuichi Sakamoto. En L'Absense (2003), Zazou repite con el mismo equipo de invitados e incorpora más loops, programaciones y distorsiones, pero manteniendo un ánimo melancólico e introspectivo.

La lista de recomendaciones podría extenderse, pero por ahora nos detendremos aquí para brevemente rendir honores a quien ha legado a la posteridad una excepcional obra iconoclasta y vanguardista, ventana abierta hacia la belleza del mundo.

TakticMusic
Amazon/discography
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Desde la cima del Monte Fuji

Succubus proviene del latín Succuba que literalmente significa "prostituta", pero en el medioevo occidental, se le llamó Succubus a un demonio que toma la forma de una hermosa mujer para seducir a los hombres, especialmente a los de buen corazón y a los monjes, en cuyos sueños y fantasías se introduce para sostener relaciones sexuales y absorber su energía vital, hasta el punto de enfermarlo o inclusive matarlo. Ésta figura legendaria y macabra ha servido de leitmotiv para el álbum Succubus (2009), de The Mount Fuji Doomjazz Corporation, el alter ego de The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, con el cual se sumerge en sonidos (aún) más densos, en atmósferas todavía más fúnebres, hipnóticas y evocadoras, improvisando durante la noche y desde la cima nublada del Monte Fuji, para esculpir y revelarnos apenas el grave rostro doom del jazz en clave drone. Insólito pero cierto. Otra joya.

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Más sombras y dragones

Después del álbum debut autotitulado y del EP Mutations que nuestro amigo Zoomo nos ha recomendado muy oportunamente, reaparece directo desde los Países Bajos The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, con un nuevo álbum titulado Here Be Dragons (2009). Más improvisaciones lúgubres, más atmósferas inquietantes, más de la calidad que los caracteriza. Apaga la luz, relájate y dale play a este viaje, infinitamente recomendado.

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Desde los campos elyseos

Elysian Fields vuelve después de tres años en silencio, y lo hace con un nuevo trabajo titulado The Afterlife (2009), a través del cual, Jennifer Charles y Oren Bloedow siguen explorando los resquicios del alma, iluminando el camino con sus composiciones cada vez más sensuales, donde destaca la dulce y lánguida voz de Jennifer, empeñada en seguir susurrándonos al oído, envuelta entre las sugestivas melodías con las que generan una cálida atmósfera de intimidad. The Afterlife es un disco perfecto para un domingo lluvioso, una sexy noche con tu amante, o simplemente, para cuando quieras escuchar un disco hermoso, al fin y al cabo, para la belleza no hay horarios ni condiciones. Y no nos importa si Jennifer no vuelve a cantar en Lovage, pues, con Elysian Fields nos basta y sobra. En este enlace podrás encontrar otros trabajos anteriormente recomendados por el viajero Zoomo.

ElysianFieldsMusic
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We ♥ Anja

Anja Garbarek es posiblemente la cantautora y compositora más importante de Noruega en el ámbito alternativo contemporáneo. A los álbumes ya recomendados por nuestro amigo Zoomo, agrego el debut Velkommen Inn (1992), cuyo sonido revela a una Garbarek un tanto tímida todavía, pero con la semilla de la experimentación en latencia. No así en el sucesor, Balloon Mood (1996), donde la rubia se toma más libertades y define su estilo por la onda del downtempo experimental, combinando efectivamente las máquinas con elementos del jazz y orquestaciones. En el 2005, el cineasta Luc Besson le confía a Garbarek la composición de la banda sonora para la película Angela-A, la cual aún no he tenido la fortuna de ver, pero que, a juzgar por las imágenes del tráiler y el característico humor de Besson, asumo que debe ser muy interesante. ¿El soundtrack? Impecable.

AnjaGarbarek.com
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Sofisticada extravagancia

Imagina a una adolescente de familia religiosa afincada en un pequeño pueblo estadounidense, entre Boston y Cape Cod, que se gradúa en "Composición Tradicional para Música Orquestal" en el prestigioso Berklee College of Music de Boston, para luego mudarse al infame y ultrabohemio Chelsea Hotel de Nueva York, donde vive entre tocar el piano para Tennessee Williams y grabar música de fondo para películas gay porno.

Imagina que esa chica después tiene la oportunidad de interpretar el papel de Janis Joplin en el musical de Broadway llamado Rock 'n Roll: The First 5000 years, donde es descubierta por Tony DeFries, el manager de David Bowie e Iggy Pop, quien la apoya para grabar material propio con el sello Elektra. Imagina que después de meses de trabajo, la joven llega a tener dos álbumes terminados, pero la discográfica se resiste a lanzarlos porque no suenan ni remotamente parecidos a Madonna o Cindy Lauper, las obsesiones del momento. Decepcionada por la incomprensión norteamericana, pero incólume en su voluntad musical, se muda a Londres donde finalmente es considerado su inusual talento. Esa chica es Sandy Dillon, una de las figuras más interesantes de los últimos años, creadora de un sonido que ella describe como "jazz-punk western blues", producto de una visión vanguardista ante la cual permanece fiel.

En su álbum debut Electric Chair (1999), Sandy Dillon toca la armónica, el órgano y el piano, al tiempo que demuestra ser dueña de una áspera voz capaz de transmitir una intensa nostalgia en cada una de sus inflexiones; de desplegar una extensa gama de sensaciones dérmicas con cada sílaba final apenas audible, pero que intuimos por su aliento. Su interpretación agridulce que por momentos recuerda la de Tom Waits, bulle sobre ritmos de percusiones a veces extraviados en los laberintos de la psicodelia, pero siempre ajustados a las atmósferas blues de sus composiciones, si bien extravagantes, naturalmente sofisticadas.

Puede que sea una artista algo marginada por el mercado y desconocida por las masas, pero que siga siendo así no nos molesta en absoluto, de hecho, se lo agradecemos con la mano en el pecho. Luego de Electric Chair, editó East Overshoe (2000), seguido de Nobody's Sweetheart (2004), Pull The Strings (2006) y Living In Dreams (2008). Complemento estas líneas con el video de Over My Head, del álbum Pull The Strings. Pura energía.

SandyDillon.com
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Entrelazados por un pulso

El planteamiento conceptual de este disco parte de la idea del corazón como el centro del Ser. A través de continentes y de culturas, de abundantes lenguas y dialectos, toda la vida pulsa con la intensidad rítmica del latido del corazón. Pero algo completamente especial, completamente único y memorable pasa cuando Bill Laswell (bajo, flauta y teclados) pide al saxofonista Pharoah Sanders, al cornetista Graham Haynes y al maestro percusionista Trilok Gurtu; respirar la melodía, la armonía y el ritmo en el que estamos inmersos pero que damos por sentado. En el virtuosismo de estos músicos, el latido de un corazón real procrea la música y la música procrea la vida, en un flujo ondulatorio de energía en la que la magia comienza a desplegarse. With a Heartbeat (2003) es otra gran obra de nuestro admirado Laswell que demuestra, a través del lenguaje universal de la música, el principio igualmente universal y trascendental del entrelazamiento de todos nosotros por medio de un pulso vital. Sincronizarnos con él es la premisa. Ellos lo hicieron... ¿Podremos nosotros?

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Myspace/Bill Laswell
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Alquimia perfecta

Luego del gracioso post que Zoomo hiciera a principios del año pasado a propósito de presentarnos el álbum debut de Worm Is Green, una excelente agrupación de electrónica con el sello de calidad de Islandia -como tantos otros de esas latitudes-, traigo de vuelta su música, esta vez la que está recién sacada del horno para su álbum Glow (2009). Música de alta factura, alquimia perfecta entre electropop, IDM, downtempo y más. De lujo.

[ Pass: tripoptico ]

wormisgreen.com
myspace
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Trascendiendo barreras

A Lawrence Muggerud, nativo de Queens, Nueva York, con ascendencia italiana y noruega, lo conocemos mejor como Dj Muggs, y por ser el productor y dj de la célebre banda californiana de hip hop Cypress Hill. Cuando en 1999 trabajó con Tricky y Grease en el álbum Juxtapose, Muggs nos mostró su faceta más experimental al producir ritmos que trascendían la síncopa característica del hip hop pero sin divorciarse por completo de éste. De allí que Dust (2003), su primer trabajo en solitario haya sido en cierto modo una afortunada continuación de ese interés avant-garde más comúnmente arraigado en la escena europea y que le fuese contagiado en su experiencia con Tricky. Pero en Dust trasciende no sólo el flow del hip hop sino también sus alcances estéticos al ampliarse hacia la electrónica y el rock alternativo dentro de inspiradoras composiciones downtempo, matizadas por sugestivas vocalizaciones de invitados como Amy Trujillo, Josh Todd (del grupo hard rock Buckcherry), Greg Dulli (de The Twilight Singers) y del nunca bien ponderado Everlast.

Este año nos regala un apéndice tardío de Dust con el subtítulo "Unreleased Ep". Más ácido... igual de imperdible.

[ Pass: tripoptico ]

djmuggs.com
Myspace

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