16/12/09

Los 10 mejores álbumes de la década

En vísperas del fin de esta década que marcó el comienzo de un nuevo siglo, luego de repetidas consultas con su almohada de plumas sintéticas, de abstraerse en sus audífonos de caracol, y regodearse en sus frecuentes arrebatos de reduccionismo naif; nuestro MonoStéreo nos ha dado la lista de lo que considera los 10 mejores álbumes de este decenio:

#10. Untrue (Burial, 2007)
No pocas personas dudaron de la trascendencia del dubstep como subgénero musical, de hecho, su pronta caducidad estaba signada ya en las mentes críticas de los más escépticos. Pero el esquivo y misterioso William Bevan, a.k.a. Burial, supo hacerse un espacio entre los cultores del dubstep, demostrando que éste es un terreno que con un poco de creatividad puede llegar a ser bastante fértil. Con Untrue, Burial nos lleva de la mano por callejones oscuros, donde las verberancias de una urbe nocturna y solitaria engullen las voces que se filtran desde una colección de samples, ajados por el pitch y el vocoder, a la vez que serpentean entre los diversos clicks y chasquidos que marcan el ritmo. Untrue es electrónica sensorial perfecta para escuchar de madrugada y ocupar con mérito nuestro número 10.



#9. Zitilites (Kashmir, 2003)
Gracias a este álbum, Kashmir ganó cuatro Premios Daneses de la Música por 'Mejor Banda Danesa', 'Mejor Album Danés de Rock', 'Mejor Video Danés' por "Rocket Brothers" y Mejor Portada de Disco. Pero el reconocimiento a la calidad de Zitilites fuera de las fronteras de Dinamarca ha tardado en producirse, digamos, a la escala que bien se merece. En él, Kashmir combina con absoluta pericia, el enérgico legado de Pablo Honey (Radiohead), letras abstractas -a veces nostálgicas-, y estructuras melódicas tan hermosas como emocionantes. La voz del vocalista Kasper Eistrup nos conmueve fácilmente pero también nos ayuda a descargar con el Rock'n'roll puro y duro que son capaces de evocar sin ningún tipo de complejo ni pretensión.


#8. Gozo Poderoso (Aterciopelados, 2000)
Después del sensacional Caribe Atómico (1998), lo único que podía esperarse era un discazo como Gozo Poderoso, con el cual Aterciopelados se posicionó definitivamente como la banda de rock latinoamericano más importante. Y nótese que el adjetivo "latinoamericano" lo adoso a su música, precísamente porque este grupo colombiano se ha dedicado a fusionar el rock alternativo con múltiples influencias de la música latinoamericana, en especial la cumbia y el folclore de su tierra natal. A diferencia de muchas bandas de la región, Atercipelados toma muy poco de referencias externas y prefiere nutrirse más de la mirada interna, de la riqueza local que asimilan a la perfección y transmutan hacia una música que apuesta a la universalidad. Andrea Echeverry compuso doce canciones para este álbum, con sus simpáticas y características rimas, siempre fiel a la calidez de la idiosincrasia latina y a la sencillez de lenguaje sin dejar de ser profunda. Un disco que tiene todo lo necesario para garantizar un verdadero gozo poderoso.


#7. Kid A (Radiohead, 2000)
El intento de deslastrarse de posibles estigmas producidos por la conmoción colectiva que suscitó la calidad de Ok Computer (1997) no podía tener mejores resultados, de hecho, no sólo logró su cometido sino mucho más. Aunque al editarse Kid A fueron muchos los fans desconcertados a lo largo y ancho del globo, no fue sino hasta la pronta edición de Amnesiac que la mayoría comprendió de qué venía este asunto de la experimentación de Radiohead, y Kid A fue, entonces, apreciado de forma cabal y su importancia en la evolución musical del grupo ya era más que evidente. Gracias a Kid A el prestigio de Radiohead se elevó muy por encima de eminencias sobrevaluadas como U2. Un disco vanguardista, oscuro y entrañable, toda una referencia para la posteridad.


#6. Silent Shout (The Knife, 2006)
Los hermanos Karin y Olof Dreijer nos sumieron en un profundo trance con esta extraordinaria colección de temas ceñidos a los esquemas del electropop, pero enrarecidos hasta el punto de parecer extraterrestres, misteriosos, con la voz manipulada de Karin (además de Jay-Jay Johanson como invitado en el tema Marble House) entre melodías plásticas y abombadas que, pese al predominio de los ambientes oscuros, desbordan color y texturas diversas. Silent Shout es un disco que debes tener en tu colección.


#5. Third (Portishead, 2008) Diez largos años pasaron para que los de Bristol volvieran al ruedo con nuevo material. Muchísimas fueron las decepciones pues gran parte de su legión de seguidores tenía la expectativa de escuchar nuevas canciones al estilo de Dummy (1994), al estilo trip-hop, esa ingrata clasificación que acuñó la industria, más como suerte de comodín nominal que como reflexión fáctica. Sin embargo, Third, el tercer larga duración de Portishead, significó la confirmación y reafirmación de la grandeza de una banda única en su especie y que está muy lejos de acorralarse a sí misma en un atolladero estilístico. La emoción y la calidad son las mismas, la música sigue teniendo un halo de vejez nostálgica y sombría, de imperfección artesanal, no obstante haber adquirido ciertos matices industriales; y Beth Gibbons, por su lado, sigue helándonos los huesos con su voz de cristal y sus magníficas canciones. En definitiva, aunque suene diferente a sus inicios, Portishead sigue siendo Portishead, es decir, una banda extraordinaria.


#4. Takk... (Sigur Rós, 2005)
Sigur Rós nació grande; desde sus inicios su personalidad musical era nítida y contundente, sabiendo exactamente hacia dónde disparar, sin pérdida de tiempo ni de energía. Más que adulta, esta banda islandesa nació sabia, iluminada. Con el disco Takk... (voz islandesa que significa Gracias), Sigur Rós perfeccionó con malicia el uso de círculos melódicos ascendentes, que no persiguen más que conmover y emocionar hasta la última célula del cuerpo, como bien pretenden muchos compositores de bandas sonoras cinematográficas. Mantenerse ecuánime e indiferente ante temas como Glósoli o Hoppípolla es simplemente imposible. Tanta belleza produce cosquillas en la piel... y ante tanta emoción, no nos queda más que decir takk...


#3. Vespertine (Björk, 2001)
Luego de ese brillante monstruo desgarrador y maquinal que fue Homogenic (1997), nuestra islandesa preferida nos deleitó con una obra cuyos altísimos logros estéticos difícilmente podrían ser superados, ni siquiera por su misma autora. En Vespertine, Björk elaboró verdaderas gemas musicales, exhibiendo a sus anchas su femineidad a flor de piel, con canciones hermosas, cada una integrada a una filigrana sonora, táctil y cromática, tan delicada que el sólo acto de escucharla supone un embelesamiento total. ¿Qué más se puede agregar que no se haya dicho antes? Decir más es llover sobre mojado, pero si eres nuevo en estas lides y aún no has escuchado este álbum, ahora es el momento.


#2. Happiness (Sébastien Schuller, 2005)
Menos conocido por las masas es el francés Sébastien Schuller (aunque en este blog lo hayamos laureado más de una vez), sin embargo, su debut Happiness, obligatoriamente debía estar en esta lista. Happiness es una inolvidable colección de temas donde Schuller nos regala su frágil voz en canciones demoledoras como Weeping Willow o Tears Coming Home, alternadas con piezas instrumentales de gran delicadeza como Wolf o Edward's Hand. Ocurrencia provocadora, sin duda, haber titulado "Happiness" un álbum que en realidad desborda melancolía en cada nota de sus transparentes melodías, en cada textura de sus inquietantes atmósferas; nostalgia en cada capa de sonido superpuesta que amplía progresivamente un horizonte pastoral, de cara al viento que viene del pecho, donde el llanto se mimetiza en la lluvia y el sol puede brillar bajo los párpados. Se intuye una sentencia: ante tanta melancolía siempre hay un atisbo de esperanza.


#1. Neon Golden (The Notwist, 2003)
Aunque está de último en la configuración de este ranking anodino, en realidad es el primero, no porque nos guste intrigar sino porque somos fieles al tradicional principio de "dejar lo mejor para el final". Neon Golden es un álbum redondo, compacto y hermoso, perfectamente confeccionado para remover sentimientos, sacudir tu cabeza y quitarte el sombrero en señal de respeto. Ningún track está de sobra y saltarse alguno sería un crimen. Los hermanos Markus y Michael Acher junto a Martin Gretschmann (a.k.a. Console), poco a poco fueron conduciendo a The Notwist hacia terrenos cada vez más híbridos, pasando del rock alternativo hacia el avant-garde, hasta que finalmente trajeron a la luz a Neon Golden, una verdadera joya pop-rock absolutamente distintiva y elegante que sentó las bases definitivas de ese subgénero comúnmente conocido como indietrónica. Melódica y rítmicamente intrincado, Neon Golden se construye a partir de elementos acústicos y electrónicos, creando imágenes y atmósferas etéreas sólo apreciables en el estado de introspección que genera cada composición en torno a la voz melancólica de Markus, guardando un equilibrio perfecto entre lo orgánico y lo cerebral. No debe faltar en tu repertorio.


Si estás en desacuerdo con uno o más de estos postulados, podrías darnos tu propia lista para enriquecer este viaje.

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15/12/09

Ni mars ni mai...

No se trata de la insufrible Avril Lavigne, ni mucho menos de la amiga reportera de las Tortugas Ninja. Se trata de Fred Avril, un músico francés autosuficiente, de esos que (como Trent Reznor de NIN) se bastan y sobran para hacer música por sí mismos. Se dice que sus presentaciones en vivo pueden llegar a ser violentas e incendiarias, al mejor estilo rock'n'rolero (...)

Su propuesta se nutre tanto del rock alternativo como de la electrónica, aunque quizá se inclina un poco más hacia la segunda. Avril crea composiciones electropop que pueden ir desde la calma del downtempo más sutil hasta la estridencia del rock industrial y el electropunk. Su debut fue con el álbum That Horse Must Be Starving (02), seguido por Members Only (04), dos excelentes trabajos llenos de energía y variedad que resultan muy entretenidos. Altamente recomendables.





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3/12/09

Desconectados

Al dúo alemán Funkstörung lo recomendamos hace bastante tiempo con su álbum Appetite for Distruction, y ahora lo hacemos con Disconnected (2004), un trabajo que significó la desconexión parcial del estilo cultivado desde sus inicios, por allá en el '96, en tanto que incorpora vocalizaciones (de invitados como el cantautor Enik, Lou Rhodes y Tes), elementos del hip hop e incluso algo de ¿pop?, haciendo un poco más accesible su música, hasta entonces, abstracta y maquinal, por la cual se le comparó a menudo con Autechre y similares. Con su desconexión de la más estricta IDM, era más amplio el horizonte que se le abría de cara al futuro, pero lamentablemente, Funkstörung se desintegró en el 2006 "por diferencias técnicas y personales"... ♫Todo tiene su final♫ como nos decía el cantante de los cantantes Héctor Lavoe, pero al menos nos queda una excelente discografía para disfrutar a través de los años, porque si de algo podemos estar seguros, es de la ausencia de caducidad en este tipo de música.

Ilustro estas líneas con el excelente video-clip del tema que le da nombre al álbum, con Enik en la voz.




Funkstörung.com
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30/11/09

A tientas en la niebla

Fog es un trío de Minneapolis liderado por Andrew Broder, 50% de Hymie's Basement (recomendado hace tiempo en este blog). La creatividad de Broder se despliega en la más desenfadada experimentación dentro de ese amplio subgénero de contornos difusos que algunos convienen en llamar indietronica, combinando hip hop, folk, rock alternativo, algo de electrónica lo-fi y muchos scratches y samples diversos. En su álbum debut autotitulado (2002), todos estos elementos conviven en simbiosis, pero si algo define la música de Fog es su misma indefinición. En este sentido, el trío reinventa su sonido en cada una de sus grabaciones, guardando siempre una conexión en el espíritu avantgarde que las anima, influenciado según ellos por gente muy disímil entre sí como Bob Dylan, Prince, Black Sabbath, Neil Young o The Notwist. Así, en Ether Teeth (2003), en comparación al debut, las composiciones son mucho más sosegadas y abundantes en arreglos acústicos y sonidos de campo, llegando casi a rozar las lindes del post-rock. En el EP Hummer (2004), Fog se inclina hacia un noise-pop psicodélico y accidentado; en 10th Avenue Freakout (2005), por el contrario, prefiere composiciones lineales, con estructuras pop decoradas con elementos lo-fi, líneas melódicas y distorsiones de guitarra como denominador común; y en Ditherer (2007), su último trabajo hasta la fecha, el trío se sumerge en aguas más "metálicas", más turbulentas, pero sin desatender esos momentos de delicadeza capaces de apaciguar las neuronas más excitadas y rocknrolleras.

Con su tránsito errático, Fog avanza a tientas entre la niebla que le da su nombre, consciente de los beneficios creativos que confiere ese andar velado por derroteros de incertidumbre, que pueden conducir hacia lugares tan misteriosos como sorprendentes, pero nunca comunes.



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Fogtimewaster.com
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Para no pensar

"Nocow gusta de experimentar con la música. Las reglas significan poco para él, puesto que hace lo que quiere. Nunca sabiendo adónde lo llevará su música. Las posibilidades son ilimitadas". Así reza la entusiasta presentación que en Dead Pop hacen de Alexey Nikitin, a.k.a. Nocow, joven músico y productor de San Petersburgo, Russia, cultor de un downtempo liviano y digerible, apto soundtrack para esos momentos del día en los que no se requiere pensar demasiado. Aquí su primer LP Hopaji (2009).

Más easy listening para empezar la semana relajados... y si mola, puedes conseguir sus EP's en el enlace de Parallaxounds.

Parallaxsounds
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29/11/09

Como llovizna matinal

Trinah es un grupo alemán de esos que se dedican a cultivar sonidos amables, responsables, sin un ápice de conflicto o veneno. La música de este quinteto es ligera y clara como llovizna matinal, donde su vocalista Kathrina März, más que cantar, lo que hace es susurrar con su voz angelical, edulcorando bases downtempo y arreglos folk digeribles como el agua destilada. Si te gusta esta onda 100% easy listening, entonces el álbum debut Rainwatcher (2008) te encantará.



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Trinah.de
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27/11/09

The Notwist + Four Tet + Manitoba


Desempolvo esta sección dedicada a Remixes para recordar el grandioso tema This Room de The Notwist (en un video hecho por un fan), y una excelente remezcla realizada nada más y nada menos que por Four Tet y Manitoba. Enjoy!




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Golosina cr☺mática

La música que nos propone el anglosuizo Laurent Clerc bajo su alias Little People, quizás pueda evocarnos a DJ Shadow, Portishead o Nightmares on Wax, y a pesar de eso, encantarnos con su impronta personal y convencernos de su innegable pericia. Little People hace gala de loops rítmicos deliciosamente construidos, de un uso sobrio y cuidadoso del sampler, y de sugerentes melodías de piano y sintetizadores que crean ambientes ambiguos, los cuales, si bien provocan introspección, lo hacen hacia una instancia del ánimo donde se cuela la luz que revela un mundo cromático lleno de optimismo. Su álbum debut Mickey Mouse Operation (2006) es una pequeña golosina que se disfruta de principio a fin.



LittlePeopleMusic.com
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26/11/09

Fagocitando beats

Hace un año que sigo de cerca las andanzas de Dylan Richards, a.k.a. King Cannibal, anteriormente conocido como Zilla. El sonido del maxi "Aragami Style" me atrapó de inmediato por ser un extrañísimo híbrido entre dancehall, grime, dubstep y vestigios de drum’n’bass; desbordante de energía y desenfado. King Cannibal fagocita cuanto estilo se cruce en su camino y lo regurgita en forma de beats contundentes, cohesionados por sintes hardcore y fragmentados por desquiciantes breaks. Su álbum debut Let The Night Roar (2009), muestra ese delirante universo sonoro que puede, o bien hacerte bailar desenfrenadamente, o bien saltar por la ventana en un arrebato de euforia.

Complemento este post con singles y remixes que podrás encontrar aquí y aquí.


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GodsOfWar.com
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25/11/09

Austero y eficiente

El conocido Dj Vadim, oriundo de Leningrado (hoy San Petersburgo), quien ha desarrollado una corta pero robusta carrera de la mano del sello Ninja Tune, ha firmado gran cantidad de producciones y colaboraciones con otros artistas. Uno de sus proyectos fue el grupo One Self, que vió la luz por primera vez en 2005, para el cual fungió de Dj y productor, junto a su esposa Yarah Bravo y Blu Rum 13 en las voces y las líricas, algunas con crítica social y política. Children Of Possibility fue el álbum debut, cargado con un hip hop algo más preogresivo, cosmopolita, cálido, diverso y colorido que el de Dj Vadim en solitario, evocando tres continentes con economía de sonidos y eficiencia humanista. Un disco apropiado para escuchar en el metro sin pensar en la misantropía que genera la convivencia dentro de grandes urbes.



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one-self.net
djvadim.com
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23/11/09

Como el titanio

Mathew Peters es Mad EP, un violonchelista de Iowa enamorado de los sonidos electrónicos pero renuente a casarse con alguno en particular. Después de muchisimos trabajos en colaboración con otros músicos de la escena underground, con los que ha abarcado un amplio espectro estilístico, edita el álbum Bass.Hed (2008), cuya columna vertebral se erige en el hip hop diluído en sus paisajes musicales, los cuales combinan instrumentaciones acústicas con beats obesos y a veces rotos, paralelos a buenas y variadas vocalizaciones de Mc's invitados. Un disco muy recomendable para pisar fuerte en los senderos de la selva de concreto pero sin perder liviandad en el desplazamiento.



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Mad-ep.com
AdNoisem/buy
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19/11/09

"C" de...

Puscifer fue la protagonista de nuestro post Nº 666, y luego de su "V" Is For Vagina y su "V" Is For Viagra, la traemos de vuelta con su nuevo EP titulado "C" Is For (Please Insert Sophomoric Genitalia Reference HERE) -2009-. Otro buen trabajo del gran Maynard James Keenan, quien esta vez prefirió dejar a nuestra imaginación el título de este trabajo... Escúchalo y completa el título (A mí se me ocurren varias cosas con C).

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Puscifer.com
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Sucios y elegantes


Dandole escucha al trabajo musical de Port Electric (que entre otras, aparece por la red también con el nombre de Hamrasmus...otro misterio sin revelar), que fue de los primeros post que por acà se dieron, re/encontrè a Dirty Elegance, que se va por la corriente trip/hop y hace honor a su nombre. Desde Nueva York, un sonido con elementos zoomamente interesantes, una experiencia para los sentidos y un placer cotidiano: Ode To Bartleby 1 Ode To Bartleby 2






zoomo

18/11/09

De exilios planetarios y otras hierbas


Siempre me parecen muy divertidas las reseñas que de sus lanzamientos hace la gente de Amazona Records:

"Guerras mediáticas, crisis mundial, profecías mayas, peladera 'e bola, idas de luz entre otros aspectos de la buena vida, mantuvieron a los funkers en el exilio planetario, looking for a new sound, recorriendo galaxia por galaxia se dieron cuenta de que lo que buscaban en realidad estaba en sus computadoras del planeta tierra, finalmente Gaia 'ta listo pa' su segunda dosis de física cuántica pro (sonora), terricolas! Los Mother Funkers Vol. 2 han llegado".

Electrónica casera "made in" Colombia y Venezuela... Let's groove!

1. Elerreme - 4
2. Esek8 - Malabares
3. Bzmbzdim - P.S. I LO you
4. 3uho - Fonk Malandro
5. Turbyo - Blue Wine
6. Juan Medina - Lentamente
7. Boonk - Your Body and Soul
8. Burguez - Paranoia
9. S.T.H - Street Visions (CoPz!)
10. Fonkdongo - Kream


descárgalo aquíicon (o en el vynil)

Dr. Jekyll vrs. Mr. Hyde


Si, sì...a veces figuro como los dos extremos: el bien y el mal. Hay un Mr. Hyde dentro de nosotros y a veces, éste sale a relucir en mis post. Es por esa razón que pido no se asusten, no se rasguen vestiduras y sobre todo, no maldigan. Es la melomanía que no deja en paz. Es ese ir y venir de extremo a extremo que a veces pareciera ser otra persona, con otros gustos, otros oídos. Ese es el caso de ésta Golosina que comparto. Se trata de el primer trabajo musical de Pedro Manuel Guerra Mansito. El man.
El man nació en Canarias y ha tocado, mejor dicho, con medio mundo. Ciertamente, lo conocí apenas éste año porque claro, uno tiene siempre la frente arrugada cuando ha escuchado poco y no sabe nada. Pero el mancito me cautivó. Hice un repaso por toda su discografía y sinceramente, sinceramente recomiendo su escucha. Vale la pena tomar de éstas Golosinas.




zoomo


Cuentos Tripomáticos de los Hermanos Jam & Spoon


Alemania es la tierra de los cuentos de hadas por excelencia. Desde allí, los hermanos Grimm convirtieron leyendas y mitos tradicionales en historias cargadas de fantasía y surrealismo, de sueños hechos realidad, de alucinaciones que ubican en universos mágicos con duendes, brujas, realeza idealizada y seres del común alcanzándola. Algunos siglos después, desde la misma tierra, convertida en cuna de la vanguardia electrónica, surgirían en la escena musical un par de genios que, con o sin intención, decidieron a través de la música plasmar el espíritu de los cuentos fantásticos; el resultado: una trilogía de sonidos experimentales convertida en objeto de culto.

Jam El Mar y Marc Spoon, músico y DJ respectivamente, se juntaron por primera vez en el año de 1991 para trabajar como dueto, publicando BreaksUnit1, un album debut que pasaría sin pena ni gloria. Dos años despues, aparecío en escena Tripomatic Fairytales 2001, el comienzo de esta aventura por la experimentación sonora. Considerado por muchos como el álbum precursor del movimiento trance, este visionario trabajo viene cargado de canciones provocativas y envolventes, que se convierten al escucharlas en un hipnótico viaje a universos de enajenamiento mental, que controlan la percepción y la condicionan al placer del baile con sus armónicas, metódicas y enajenantes melodías.

Hacia 1994 publicaron Tripomatic Fairytales 2002. Si la primera parte de estas fabulosas historias fue una explosiva invitación a la danza, esta segunda entrega resultó ser, sin duda alguna, un ángulo diametralmente opuesto. Alejándose de la descarga de energía mostrada en el trabajo anterior, esta nueva entrega de cuentos tripómaticos es una exploración a las más relajadas y enigmáticas expresiones del ambient y el chillout, en un compendio de piezas reflexivas y exóticas que exploran sin temor diversidades sonoras, conservando intacto el halo de psicodelia mostrado en su anterior compilación.

Diez largos años transcurrieron desde la aparición de estos visionarios cuentos de hadas, en los cuales estos hermanos musicales publicaron dos trabajos más bajo los seudónimos de Storm y Tokyo Ghetto Pussy, mas un trabajo intermedio en 1997 llamado Kaleidoscope. Solo hasta el año 2004 vio la luz el aun más visionario Tripomatic Fairytales 3003, una creación cumbre que toma rumbos disimiles a sus predecesoras. Oscuro y envolvente, seductor y poderoso, este tercer compendio de historias hace gala de exploraciones en sonidos electropop refinados y de avanzada, en el cual voces como la de Plavka (su cantante musa y prácticamente una tercer miembro de este experimento musical), la de Dolores O'Riordan y la de Tricky, entre otras, logran una amalgama con melodías que viajan hábilmente entre el espíritu del baile y la seducción onírica. Esta tercera parte resulta ser un equilibrio perfecto de sus trabajos anteriores y una invitación a visualizar los sonidos de la música pensada para un nuevo milenio.

En el año 2006, la continuidad de las historias tripomáticas se vió afectada con la muerte de Marc Spoon por un infarto al corazón, dejando nula la posibilidad de tener una cuarta entrega, un nuevo capítulo de estos cuentos de hadas para el oido. No obstante, nos queda el legado de 3 trabajos creados por un par de visionarios que, tal y como lo hicieron los hermanos Grimm con sus cuentos y narraciones siglos atrás, se atrevieron a plasmar en sus creaciones mundos vanguardistas cargados de magia, imaginación y sueños hechos realidad. Para que todos vivieramos felices por siempre.


Collage radiofónico

Que la radio como primer medio de comunicación y entretenimiento masivo ha ocupado un lugar muy importante en el desarrollo de la sociedad y la cultura es un hecho indiscutible. Su potencial estético es tan elevado que los artistas del movimiento futurista de principios del siglo pasado ya lo explotaban para sus experimentos sonoros. Más tarde el gran músico y compositor John Cage, en su lúcida visión filosófica y vanguardista del arte, tomó la radio como materia prima para muchas de sus composiciones, haciendo sonar simultáneamente varias radios mal sintonizadas para integrar el ruido y la estática a sus piezas musicales. Sobre estas experimentaciones y su trascendencia, Cage afirmaba "Creo que el uso de ruidos en la composición musical irá en aumento hasta que lleguemos a una música producida mediante instrumentos eléctricos, que pondrá a la disposición de la música cualquier sonido y todos los sonidos que el oído pueda percibir. Se exploran los medios fotoeléctricos, el filme y diversas mecanismos para la producción de música". Esto es algo que ya en la década de los 30 representaba la gestación de lo que hoy es la música electrónica. En este sentido, podría decirse que el potencial musical de la radio como herramienta compositiva no es en absoluto una consideración reciente o innovadora, pero utilizar la radio para hacer hip-hop, definitivamente sí que lo es.

El norteamericano Aleksander "Exile" Manfredi, proveniente de una familia de músicos tradicionales, ha dado un paso adelante con su tercer álbum titulado Radio (2009), un inteligente collage de sonidos capturados directamente del radioreceptor, amalgamados a través de beats de puro sabor urbano. Si algo tiene el hip-hop, es la facultad de reinventarse fácilmente gracias a su solubilidad y sana promiscuidad, pero esa facultad requiere de la genialidad de mentes inconformes como la de Exile. Radio es un logro que va más allá de una grabación curiosa o extravagante, aunque no sabemos hasta dónde exactamente... quizá la amplitud modulada o la frecuencia modulada de la creatividad de Exile determinará su alcance.


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Correcto y eficiente

Opgave es un proyecto de un productor que se hace llamar The Saboteur, oriundo de Los Angeles. Este señor ha digerido eficientemente el legado de ese híbrido musical noventero que muchos convienen en llamar trip-hop. Su trabajo presenta reminiscencias de gente como The Album Leaf, Beck, Cinematic Orchestra, Diplo, Dj Krush o Dj Shadow, ya sea en los beats, o en las construcciones melódicas a través del buen uso del sampler. Técnicamente correcto, y además, entretenido. Su mini álbum Writing The Silver (2006) así lo demuestra.



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17/11/09

Orgánico y maquinal...


Hablando de músicos importantes cuya obra excepcionalmente genial nos deleitará a través del tiempo y más allá de cuestiones comerciales, habría que mencionar más temprano que tarde al señor Markus Acher, el inquieto multinstrumentista, cantante y compositor alemán cofundador de The Notwist (ampliamente recomendado en este site), así como de Tied & Tickled Trio, y del proyecto que constituye el foco de este post: Village Of Savoonga. Este efímero y glorioso proyecto fundado en 1992, tendió un puente entre el kraut-rock de los setenta y el post-rock de los noventa, desarrollando un trabajo todavía tentativo entre cacofonía y penumbra.

Su álbum Philipp Schatz (1996) muestra la elegancia, la austeridad y la profundidad de la música clásica. Piezas como Nunca Serenada, Partida, Notion, In Search Of The White Room y Music For Hydrophonic Instruments, aplican las técnicas y estilos que fueron inventados 30 años antes, pero con la sabiduría de 30 años más tarde. En el miniálbum Score (1998), se decantan por una progresión de la música industrial y del minimalismo hacia la abstracción, donde confluyen el expresionismo y el doom psicodélico: guitarras disonantes, metales, samples y zumbidos que ondulan con una especie de melodía sobrenatural. Los trabajos de Village Of Savoonga yacen casi ignotos bajo la sombra de The Notwist, pero resuenan a través de su naturaleza orgánica y maquinal, para ser oídos por quienes aman la música de avanzada.

*Para descargar ambos trabajos haz clic en el vynil.

Hausmusik
Discogs/Philipp Schatz
Discogs/Score
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Del tiempo y sus fauces

La película Sturm del guionista y director alemán Hans-Christian Schmid, es un trhiller político que se desarrolla a partir de que esqueletos humanos procedentes de crímenes de guerra sean hallados dentro del armario de un político popular croata. La película analiza profundamente los complejos procesos legales, éticos y morales involucrados en la gestión del TPIY (Tribunal Internacional para el enjuiciamiento de los presuntos responsables de las Violaciones graves del derecho humanitario internacional cometidas en el territorio de la ex Yugoslavia desde 1991), y expone la inquietante realidad en torno a la impunidad sobre genocidios como los de Sarajevo, amparados en el poder político y económico de los grandes líderes que mueven a su antojo los hilos de la justicia.

Para realizar la banda sonora de semejante drama, Schmid solicitó los buenos oficios de The Notwist, completos veteranos en el arte de conmover con los sonidos precisos. El grupo nos introduce eficazmente en el escabroso escenario de la incertidumbre que reina en la existencia humana y en las contradicciones de su devenir. Las lúgubres atmósferas que engullen pequeñas notas luminosas, parecieran evocar la facultad que tiene la memoria para diluirse en la sombra del tiempo, y en el silencio de quienes se niegan a mantener presente el nombre de los que desde hace mucho están irremediablemente ausentes. Sturm (2009), palabra alemana para Storm o "Tormenta", es el segundo soundtrack compuesto por The Notwist; denso y hermoso, digno de una de las mejores bandas de las últimas dos décadas.


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16/11/09

Audacia nipona

Entre los japoneses más interesantes que hemos recomendado en el TripOptico, sin duda se encuentra el multinstrumentista Keigo Oyamada, a.k.a. Cornelius, por su particular y poco condescendiente visión de la música. Aunque a menudo sea comparado con Beck por sus experimentaciones dentro del rock alternativo, Cornelius se muestra aún más audaz, más extravagante y más a la deriva en términos estilísticos, siendo este quizá su principal atractivo.

El disco Fantasma (1997), el tercero de su carrera, nos pasea oscilante, cual montaña rusa, por desquiciantes momentos de experimentación sonora, samples yuxtapuestos y ruidos misceláneos; como también por momentos de verdadero esplendor instrumental con amables melodías entretejidas con holgura. Este album cuenta con un extended play titulado FM -Fantasma reMixes- (1998), con vueltas de tuerca hechas por Damon Albarn, Unkle y Coldcut, entre otros. Un par de discos indispensable.

Ilustro con el maravilloso video Fit Song del álbum Sensuous.



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15/11/09

Metáfora boreal

Desde el Norte de Edimburgo, Reino Unido, el diseñador gráfico Graham Richardson se viene con su proyecto musical titulado Last Days, fuertemente influido por la frialdad y oscuridad del clima de esas latitudes, amén de sus profundas ideas y sentimientos traducidos en atmósferas minimalistas, donde el piano, sonidos de campo y ruidos digitales confabulan para sumirnos en una especie de letargo consciente, un estado de instrospección de cara a la soledad como condición inmanente e ineludible de la naturaleza humana. En su disco These Places Are Now Ruins (2007), Richardson nos devela paisajes desolados, únicamente habitados por quien lo contempla lleno de sensaciones encontradas, de decepciones, animado por la esperanza vaga que se gesta en la distancia, pero extraviado en la futilidad de intentar reclamar memorias perdidas.

En The Safety Of The North (2009), estos sentimientos son nuevamente evocados a través de hipnóticas atmósferas shoegaze de frío cromatismo, de díadas de guitarra que marcan el ritmo entre líneas de sinthes lo-fi, y de la incorporación de una emotiva voz femenina que parece arruyarnos con su frágil canto en May Your Days Be Gold. La voz de una niña también aparece en algunos tracks, como venida de algún lugar austral, trayendo recuerdos difusos, dibujando imágenes con sus palabras, completando el paisaje con habitantes inmateriales. En este tibio nicho de texturas y emociones que Richardson crea para nuestro cobijo, el Norte deviene en símbolo, metáfora de ese no-lugar elevado y solitario al que es preciso subir para el reencuentro del sí mismo.



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Delicada promesa


Como una bruja fugitiva de la inquisición medieval, aterriza en nuestros días la austriaca Anja Plaschg, a.k.a. Soap&Skin, para hechizarnos con su nostálgico piano melódico y las herramientas de este siglo tecnológico. Aparentemente imbuída en la estética steampunk, Soap&Skin nos regala pequeñas grandes canciones que no superan los cuatro minutos -a excepción de Brother Of Sleep-, pero que en su brevedad concentran todo un horizonte de profundas emociones, como una gota contiene en su esférica languidez la infinitud del océano. La delicadeza, madurez y densidad de sus composiciones, resultan sorprendentes y nos hacen olvidar por completo que esta chica tiene tan sólo dieciocho años de edad. Realmente vale la pena hacerle seguimiento a su muy prometedora carrera que ya nos ha dejado un primer y suculento fruto: Lovetune for Vacuum (2009).



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12/11/09

Para la posteridad

Una vez, el director de la revista francesa contracultural Actuel escribió una frase que me encanta: "En Inglaterra tienen a Peter Gabriel, en Estados Unidos a David Byrne y en Francia tenemos a Hector Zazou". Esto deja más o menos claro el estatus artístico del músico avant-garde y escultor sonoro franco-argelino Hector Zazou, aunque no menciona que sea menos conocido que aquéllos. Su carácter notablemente discreto, hacía que fuese rara su aparición en fotos, pero por otro lado, garantizaba el desarrollo de una obra musical robusta y trascendental. Zazou aseguraba estar siempre aprendiendo. Decía que avanzaba a tientas en la oscuridad y que solía golpearse la cabeza contra la pared... "Una lucha cotidiana por la libertad". ¡Y vaya si la logró!.

Zazou fue un enlazador de mundos, siempre interesado en unir oriente y occidente a través de la música, influida esta por Captain Beefheart, Brian Eno, la música tradicional de diversos lugares del mundo, y la pintura abstracta, especialmente la de Rothko y Pollock. A poco más de un año de su desaparición física, le rendimos un pequeño tributo en el Bloggazine, recomendando parte de su amplísima e interesante discografía, para la cual Zazou solicitó siempre la colaboración de artistas de diversas escenas y nacionalidades, mostrando cierta predilección por las voces femeninas.

En su álbum Chansons de Mers Froides (1994), Zazou se inspiró en los paisajes árticos, y junto al camarógrafo Philippe Roméo, grabó canciones tradicionales de Alaska, Canadá, Groenlandia, Islandia, Japón y Escandinavia, así como cánticos chamánicos y canciones de cuna de tribus aborígenes de esas regiones. Una fusión entre folklore foráneo y electrónica experimental fue el escenario para la colaboración de Värtinä (grupo finlandés), Suzanne Vega, Björk, John Cale, Siouxsie y Tokiko Kato, entre otros.

Para Las Vegas Is Cursed (2000), Zazou se hace acompañar por la excéntrica cantautora Sandy Dillon (recomendada hace muy poco), para crear composiciones oscuras y extravagantes, experimentos sonoros donde la electrónica y la instrumentación acústica generan ambientes sórdidos, llenos de contrastes y aires industriales, con claras referencias al cine negro.

En cambio, en Strong Currents (2003), Zazou se inclina hacia composiciones más apacibles y crea un diario íntimo con canciones acústicas que cuentan con la voz de interesantísimas invitadas como Laurie Anderson, Jane Birkin, Nicola Hitchcock (de Mandalay), Lori Carson, entre otras, además de la colaboración de músicos como Bill Rieflin (baterista de R.E.M.), el multinstrumentista Dennis Rea y el japonés Ryuichi Sakamoto. En L'Absense (2003), Zazou repite con el mismo equipo de invitados e incorpora más loops, programaciones y distorsiones, pero manteniendo un ánimo melancólico e introspectivo.

La lista de recomendaciones podría extenderse, pero por ahora nos detendremos aquí para brevemente rendir honores a quien ha legado a la posteridad una excepcional obra iconoclasta y vanguardista, ventana abierta hacia la belleza del mundo.



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10/11/09

Desde la cima del Monte Fuji


Succubus proviene del latín Succuba que literalmente significa "prostituta", pero en el medioevo occidental, se le llamó Succubus a un demonio que toma la forma de una hermosa mujer para seducir a los hombres, especialmente a los de buen corazón y a los monjes, en cuyos sueños y fantasías se introduce para sostener relaciones sexuales y absorber su energía vital, hasta el punto de enfermarlo o inclusive matarlo. Ésta figura legendaria y macabra ha servido de leitmotiv para el álbum Succubus (2009), de The Mount Fuji Doomjazz Corporation, el alter ego de The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, con el cual se sumerge en sonidos (aún) más densos, en atmósferas todavía más fúnebres, hipnóticas y evocadoras, improvisando durante la noche y desde la cima nublada del Monte Fuji, para esculpir y revelarnos apenas el grave rostro doom del jazz en clave drone. Insólito pero cierto. Otra joya.

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Más sombras y dragones

Después del álbum debut autotitulado y del EP Mutations que nuestro amigo Zoomo nos ha recomendado muy oportunamente, reaparece directo desde los Países Bajos The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, con un nuevo álbum titulado Here Be Dragons (2009). Más improvisaciones lúgubres, más atmósferas inquietantes, más de la calidad que los caracteriza. Apaga la luz, relájate y dale play a este viaje, infinitamente recomendado.

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6/11/09

Desde los campos elyseos

Elysian Fields vuelve después de tres años en silencio, y lo hace con un nuevo trabajo titulado The Afterlife (2009), a través del cual, Jennifer Charles y Oren Bloedow siguen explorando los resquicios del alma, iluminando el camino con sus composiciones cada vez más sensuales, donde destaca la dulce y lánguida voz de Jennifer, empeñada en seguir susurrándonos al oído, envuelta entre las sugestivas melodías con las que generan una cálida atmósfera de intimidad. The Afterlife es un disco perfecto para un domingo lluvioso, una sexy noche con tu amante, o simplemente, para cuando quieras escuchar un disco hermoso, al fin y al cabo, para la belleza no hay horarios ni condiciones. Y no nos importa si Jennifer no vuelve a cantar en Lovage, pues, con Elysian Fields nos basta y sobra. En este enlace podrás encontrar otros trabajos anteriormente recomendados por el viajero Zoomo.



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5/11/09

We ♥ Anja

Anja Garbarek es posiblemente la cantautora y compositora más importante de Noruega en el ámbito alternativo contemporáneo. A los álbumes ya recomendados por nuestro amigo Zoomo, agrego el debut Velkommen Inn (1992), cuyo sonido revela a una Garbarek un tanto tímida todavía, pero con la semilla de la experimentación en latencia. No así en el sucesor, Balloon Mood (1996), donde la rubia se toma más libertades y define su estilo por la onda del downtempo experimental, combinando efectivamente las máquinas con elementos del jazz y orquestaciones. En el 2005, el cineasta Luc Besson le confía a Garbarek la composición de la banda sonora para la película Angela-A, la cual aún no he tenido la fortuna de ver, pero que, a juzgar por las imágenes del tráiler y el característico humor de Besson, asumo que debe ser muy interesante. ¿El soundtrack? Impecable.


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